Grandes Maestros de la Pintura Universal.

Marc Chagall

2012-01-29T11:30:00.000-08:00

Uno de los más importantes exponentes del Surrealismo es el pintor francés de origen bielorruso Marc Chagall (Vitebsk, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985).

Autor de La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924), El cumpleaños (1915), Soledad (1933), entre las más reconocidas; sus obras, en la actualidad, pueden encontrarse en la Ópera de París y en la Catedral de Reims, Francia; en la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago y en la Metropolitan Ópera House y el Museo Guggenheim de Nueva York, Estados Unidos; en la Iglesia de San Esteban de Mainz, Alemania; en la Catedral de Fraumünster en Zúrich, Suiza; y en el Museo de Tel Aviv.

El artista tiene presencia en varias localidades españolas: Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (cuatro óleos, fechados entre 1913 y la década de los 30); en Madrid: Palacio de Liria, Colección de la Casa de Alba y el Museo Municipal de Tossa de Mar; y Galicia (colección de Novacaixagalicia). Su museo en Vitebsk, Rusia, en donde fuera Comisario de Arte, –abierto en 1997, en un edificio donde viviera junto a su familia– solo posee copias de sus creaciones debido a que fuera considerado persona non grata durante la dictadura de Stalin.

Chagall abordó en sus obras la niñez en su ciudad natal, temas bíblicos –reflejo de su herencia judía–, además de denunciar el holocausto nazi, la opresión contra los judíos y el régimen stalinista (obra La crucifixión blanca). Sus obras aluden al universo onírico, fantasioso y transmiten aires esperanzadores a través del tratamiento cromático vívido e intenso; su imagen es recurrente en la generalidad de las piezas, en ocasiones acompañado por una mujer, como observador de su propio mundo. Perteneció a las vanguardias parisinas de antes de la Primera Guerra Mundial, aunque su obra aparece en los límites de estos movimientos modernos, del cubismo y el fauvismo. En la década de los sesenta estuvo inmerso en proyectos artísticos urbanos, a gran espacio, en edificios públicos, religiosos y civiles. Hoy una pintura de Chagall está valorada en más de seis millones de dólares.

Estudia en la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte, en San Petersburgo y se hace un artista reconocido, antes de unirse a un grupo de artistas del Barrio de Montparnasse, en París, Francia. Vivió también en Estados Unidos.

Francis-Marie Martínez Picabia

2012-01-25T10:50:00.000-08:00

Con una obra versátil que abarcó casi todos los estilos contemporáneos, el artista vanguardista francés de origen cubano Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953). Graduado de la École des Beaux-Arts y la École des Arts Décoratifs, estuvo fuertemente influido por el postimpresionismo. Incursionó en el arte abstracto, el surrealismo, el dadaísmo, el cubismo –se vincula a este movimiento de 1909-11, integra el grupo Puteaux y conoce a los hermanos Marcel, Jacques y Raymond Duchamp con los cuales se reunía para discutir de arte, matemáticas y otros temas–, orfismo, el fauvismo y el impresionismo –recibe en estos últimos movimientos, la influencia de la obra de Pissarro y Sisley–; en el dibujo, el collage y la pintura figurativa. En toda su obra se reconoce un particular interés de Martínez Picabia por la literatura y el lenguaje.

Martínez Picabia viajó a varias ciudades en donde el encuentro con el arte vanguardista fue decisivo para marcar el curso de su obra: su contacto con el dadá americano se produce en Estados Unidos (año 1913) gracias al fotógrafo Alfred Stieglitz. Anteriormente había asistido a una muestra en Nueva York organizada por este artista en un cuartel militar, la “The Internacional Exhibition of Modern Art”; un evento que pretendió llevar la vanguardia europea al público norteamericano. En 1914 Martínez Picabia pinta El apuro (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), obra que pasa a formar parte de un conjunto de creaciones que se definen como transposiciones abstractas de experiencias íntimas. Luego en Barcelona, 1916, publica la revista dadaísta “291” en la cual colaboran Arp, Man Ray, Tzara y Apollinaire. Costa Azul refuerza los aires surrealistas en el artista, pero vuelve a París y funda junto a André Breton la revista “391”, una de las más importantes junto a la publicación Dadá.

La revista “391”, editada por Josep Dalmau, una revista diseñada muy similar a la de Stieglitz en cuanto a tipografía, formato y concepción pero con presupuestos teóricos dadaístas: tono destructor, irónico, frío y nihilista. Se publicó entre 1917 y 1924 y tuvo su distribución entre Zurich, Nueva York, París, Barcelona. En ella dejaron su impronta artistas como Tristán Tzara, Marcel Duchamp, Jean Cocteau y Man Ray. Participa activamente en 1917, Tristán Tzara dirige la avanzada parisina, en el movimiento dadaísta, en manifestaciones y escándalos. Luego en 1922, Dalmau organiza una muestra retrospectiva de Martínez Picabia con catálogo de Breton. Hasta 1921, algunos críticos consideran la obra de Martínez Picabia como “mecanomorfa” por su influencia del dinamismo futurista; 1922 marca un cambio en concepción pictórica: vuelve a la figuración, se burla del onirismo surreal con sus figuras desmaterializadas hasta llegar a la tradición artística.

Oswaldo Guayasamín

2011-12-27T07:28:00.000-08:00

Todo el dolor, la miseria y la ira de los pueblos oprimidos de América Latina encuentran voz en la obra del pintor ecuatoriano Oswaldo Guayasamín (Quito, Ecuador, 6 de julio de 1919 - Baltimore, Estados Unidos, 10 de marzo de 1999). Pintor, escultor y también realizó estudios de arquitectura; el profundo sentido humanista de su obra lo coloca dentro del movimiento expresionista. A través de la paleta de colores representa la llamada sociedad moderna que palpó en sus viajes por Latinoamérica, signada por la violencia, el racismo, la xenofobia, por las guerras mundiales y civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, torturas, etc.

Hijo de una familia muy pobre, padre indígena quichua y madre mestiza, desde niño mostró interés y talento por el dibujo, ayudando después a la familia en la venta de trozos de lienzo y cartón con paisajes y retratos de estrellas de cine en la Plaza de la Independencia. Sin embargo, su vida cambia cuando, a los 23 años de edad, expone en una sala particular su primera exposición, la cual por un lado provocó un escándalo en el círculo de la crítica de arte y por el otro, atrajo la atención de Nelson Rockefeller quien compra algunas obras y lo ayuda en un futuro. Vende en Estados Unidos y después pasa a México como asistente del maestro Orozco. Entabla amistad con Pablo Neruda.

Luego llegan los premios y reconocimientos, de diferentes certámenes artísticos como la III Bienal Hispanoamericana de Arte o la de Sao Paulo; miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y de honor de la Academia de Artes de Italia, entre tantas. Expone en museos y en las mejores galerías de Venezuela, Cuba, Francia, México, Italia (Roma), España (Madrid), Estados Unidos, Brasil, Colombia, China y la extinta Unión Soviética (San Petersburgo: Hermitage, Moscú); las últimas fueron en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Fueron en total 180 exposiciones individuales, propio de una creatividad fecunda que también lo llevó a realizar murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); monumentos: A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito. Son célebres también sus retratos de grandes personalidades con los cuales compartía una amistad entrañable como Fidel Castro, Francoise y Danielle Miterrand, Gabriel García Márquez, entre otros.

Creía que el arte es el patrimonio de los pueblos, por ello creó la Fundación Guayasamín, a la que donó su obra y colecciones. Su obra más importante fue La Capilla del Hombre, la cual no pudo ver, pues muere en Estados Unidos. Sus series más importantes son: “Los niños muertos”; “Haucayñán”, “La Edad de la Ira” y la “Edad de la Ternura”.

Diego Rivera

2011-12-18T18:26:00.000-08:00

México tiene en Diego Rivera (Guanajuato 8 de diciembre de 1886 — México, D. F. 24 de noviembre de 1957) uno de sus muralistas más prolíferos y de reconocida obra internacional. Controvertible para algunos, en ocasiones, por la ideología comunista que motivó la temática de sus creaciones, Diego Rivera plasmó en los murales –ubicados en edificios públicos del centro histórico mexicano y de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo- la realidad social de su país donde convergían personajes contemporáneos con los históricos. Arte que llevó a otras ciudades mexicanas como Cuernavaca (pinturas y murales en el Palacio de Cortés), Palacio Nacional y el Teatro de los Insurgentes de la Ciudad de México (plasmó la historia del país desde los aztecas hasta el siglo XX) y Acapulco; o a otras extranjeras como San Francisco (San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco-), Detroit (Instituto de Artes de Detroit) y Nueva York. Es aún una figura importante para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano.

Desde niño comienza a estudiar pintura; pero gracias a una pensión del gobernador de Veracruz viaja a España y estudia a Goya, El Greco y Brueghel. Se integra al taller de pintura de Eduardo Chicharro, en Madrid. Entonces se mueve entre España, México, Argentina, Ecuador, Bolivia y Francia. En reuniones con los artistas del Montparnasse, conoció a Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle Inclán, y recibe el influjo de las nuevas corrientes artísticas que imperaban en Europa como el cubismo. Años más tarde se adentra en el postimpresionismo –su obra se destaca por los acabados y la viveza de los colores- a través de Paúl Cezanne lo que le otorga un sello identificativo entre los otros muralistas mexicanos. También estudió el arte renacentista gracias a un viaje a Italia; colabora junto a otros artistas en la campaña políticas del entonces Secretario mexicano de Educación José Vasconcelos junto a José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo.

Su primer mural data de 1922 en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional. Otros murales importantes son el controvertido El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo para el Palacio de Bellas Artes de México donde incluyó una imagen de Lenin; Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central para el Hotel del Prado de la Ciudad de México, La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista del Estadio Olímpico Universitario (UNAM) entre otros. Ilustró Canto General de Pablo Neruda.

Fue co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios, militante del Partido Comunista Mexicano y Premio Nacional de Ciencias y Artes de México. Entre sus esposas, a las cuales incluyó en uno de sus murales, estuvo la gran pintora mexicana Frida Kahlo.

Pieter Brueghel

2011-12-14T13:45:00.000-08:00

El pintor y grabador brabanzón Pieter Brueghel o Bruegel, apodado como el Viejo (Bruegel cerca de Breda o Brée, h. 1525 - Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569), está considerado el pintor holandés más importante del siglo XVI y uno de los grandes maestros de ese siglo; junto a Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco y Pedro Pablo Rubens representan los más importantes exponentes de la pintura flamenca. Maestro del dibujo a pluma, lo dominaba extraordinariamente. Gran amante del paisaje –se considera el primer artista occidental que pintó paisajes como figura principal y no como fondo de alegorías religiosas-; fue considerado un maestro en esta temática. Se le considera precursor del Barroco al norte de los Alpes. El colorido de sus Estaciones (1565) anticipa la pintura del siglo XVII.

Sus inicios hoy son casi desconocidos: trabajó con el miniaturista Giulio Clovio; permaneció en el taller de un artista siciliano; fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes. De sus viajes a Francia e Italia son sus primeros paisajes: Combate naval en el puerto de Nápoles, La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl. Obras como Camino del Calvario, la serie de las Estaciones –en las que crea varias historias en una misma escena- o Los cazadores en la nieve son sorprendentes el tratamiento que da al paisaje. Brueghel incursionó en otras temáticas en las que siempre estuvo presente el paisaje como las escenas apocalípticas –esta parte de su obra se enlaza con su predecesor el Bosco-: Caída de los ángeles rebeldes, Dulle Griet y El triunfo de la muerte; escenas de género –las llamadas populares y familiares, con mucha presencia de campesinos-: Juegos de niños, El banquete de bodas, La parábola de los ciegos (1568), El país de Jauja y Danza de campesinos y el recurrente motivo de la Torre de Babel: La construcción de la torre de Babel (1563, Museo Kunsthistorisches de Viena) y La Pequeña torre de Babel (Róterdam).

Sobre su estilo se considera que tuvo una concepción más moderna y realista que los manieristas, aunque lo fue (Proverbios, 1559); que fue iconográfico -Los proverbios flamencos y Juegos de niños- y hasta de protesta social –la pintura La lucha entre don Carnal y doña Cuaresma, y los grabados El asno en la escuela y Cajas fuertes combatiendo Huchas-. Hoy una tercera parte de sus obras se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena (Kunsthistorisches).

Entre sus obras se encuentran: Paisaje con Cristo y los apóstoles en el Mar de Tiberíades, 1553, probablemente en conjunto con Marten de Vos, colección privada; Los peces grandes se comen a los pequeños, 1556, Albertina, Viena; Asno en la escuela, 1556, dibujo, Gabinete de láminas, Museos estatales, Berlín; Parábola del sembrador, 1557, Museo de Arte Timken, San Diego.

Piet Mondrian

2011-12-12T19:41:00.000-08:00

Aparentemente simple en sus composiciones –así llamó a sus pinturas figurativas-, el pintor vanguardista holandés Piet Mondrian (Pieter Cornelis Mondriaan Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944) es uno de los pioneros de la abstracción –junto a los rusos Kazimir Malévich y Wassily Kandinski-, pasando antes por el simbolismo y el naturalismo hasta llegar a esas figuras geométricas –esencialmente rectángulos- de colores fuertes: fin y madurez de su estilo artístico. Es uno de los creadores del neoplasticismo junto a Theo van Doesburg, fundador y guía espiritual de De Stijl (El estilo) –movimiento o grupo de arte que pretendía lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferente; se forma en 1917- del cual fue miembro, siendo su obra aquí la fuente de desarrollo filosófico y visual.

Inspirado en los estudios de la escritora, ocultista y teósofa rusa Helena Petrovna Blavatsky –fundadora de la Sociedad Teosófica-, Mondrian se sumió en la búsqueda de un “arte puro” con fuertes influencias espirituales alrededor del cual giraban sus figuras abstractas –consideraba el blanco y el negro como los colores elementales del universo-. Llegó al extremo cuando prohibió en su casa el color verde y rompió con el grupo cuando el mismo Theo van Doesburg propuso un ligero cambio en sus estructuras formales.

Incursionó como maestro, mientras practicaba la pintura en su primera etapa signada por los paisajes al estilo naturalista o impresionista: imágenes de su pueblo natal. Entonces fue el sucesor del precursor del Impresionismo, el pintor y grabador holandés Johan Jongkind, para experimentar después con el puntillismo y el fovismo –especialmente de este movimiento artístico le seducen los colores; llega a él a través del pintor Jan Toorop-.

Su asomo al postimpresionismo llega a través de las obras El Molino Rojo, Árboles a la Luz de la luna y Avond (Tarde) –en esta obra Mondrian reafirma su predilección por los colores primarios-, todas de principios del siglo pasado. Entre 1905 y 1908 Mondrian se acerca a la abstracción con una serie de cuadros de paisajes con casas que asemejan tintazos –Árbol rojo (1909-1910) y Árbol verde (1911)-. Al cubismo llega después de la muestra "Moderne Kunstkring" (1911), en Ámsterdam; entonces realiza dos versiones de su obra Stilleven met gemberpot (Vida tranquila con una olla de jengibre), la primera fue cubista y la segunda abstracta. En la década del 20, reduce su paleta de colores solo al blanco y al negro. Se integra a los grupos "Cercle et carré" (1930) y Abstraction-Création (1931). Su trabajo experimentó cambios en cuanto al ritmo en la década del 40 –Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) y Victory Boogie-Woogie (1943-1944). La obra de Piet Mondrian ha influido en la arquitectura, el diseño, la decoración y la escultura.

Théodore Chassériau

2011-12-08T10:08:00.000-08:00

El “Napoleón de la pintura” fue el pintor romántico francés Théodore Chassériau, (El Limón, República Dominicana, 20 de septiembre de 1819 - París, 8 de octubre de 1856), así lo consideró su maestro el gran clasicista Jean Auguste Dominique Ingres quien lo acogió como discípulo a los 11 años de edad. Entre su obra se destacan sus retratos, la pintura histórica y religiosa, los murales alegóricos y las imágenes orientales inspiradas por un viaje que realizara a Argelia.

Algunos estudiosos consideran que la obra de Théodore Chassériau es una especie de conciliación entre sus dos grandes maestros y antagonistas: el clasicismo de Ingres versus el colorismo pictórico del romántico Eugène Delacroix. Esto se puede apreciar en su primera etapa –hasta 1845- en la que idealizó figuras; mientras que a partir de esa fecha, su obra tiene el marcado romanticismo clásico y el colorido de Delacroix en el dibujo y la composición plenamente clásicos. Asombrosamente a la edad de 16 años, inauguró su taller como retratista con influjos nórdicos, españoles y la técnica de Ingres.

Entre sus primeras obras de importancia, en las que reflejó una manera muy particular de representar el desnudo femenino, se encuentran: Susana y los viejos y Venus Anadyomene (ambas de 1839), Diana sorprendida por Acteón (1840), Andrómeda encadenada a la roca por las nereidas (1840), y La toilette de Ester (1841). De esta etapa, también se destacan sus pinturas religiosas: el tema recurrente Cristo en el monte de los Olivos y El descendimiento de la cruz (1842); los Retratos del reverendo padre Dominique Lacordaire, de la orden de los frailes predicadores (1840), y Las dos hermanas (1843), que representa a Adèle y Aline, hermanas de Chassériau.

A partir de entonces, luego de un viaje a Argelia y profundamente inspirado en el arte oriental, Chassériau pinta Ali-Ben-Hamet, califa de Constantina y jefe de los haractas, seguido por su escolta (1846), Jefes árabes visitando a sus vasallos y Mujeres judías en un balcón (ambas de 1849, actualmente en el Louvre), El tepidarium (1853, en el Museo de Orsay, esta obra está inspirada en Pompeya).

Entre sus obras monumentales están la decoración de la gran escalera del Court des Comptes (Tribunal de Cuentas), 1835 : Aline Chassériau (Louvre), Retrato de Adéle Chassériau (1836), Ernest Chassériau (Louvre, 1836), Caïn maudit (1836), Retour de l'enfant prodigue (1836), Charlotte de Pange (1616-1850) (Metropolitan Museum of Art New-York 1841), Admiral Baron Victor Duperré (dibujo), (Detroit Institute of Arts 1842), Marie l'Egyptienne, (fresco decorativo de la iglesia de Saint-Merri en París, 1843) entre otras. Murió a los 37 años de edad.

Su obra influyó notablemente en los estilos de Puvis de Chavannes y Gustave Moreau, a los que siguieron Paul Gauguin y Henri Matisse.

Jan Baptist Weenix

2011-12-04T14:04:00.000-08:00

Pionero en llevar al arte holandés escenas de la bahía italiana –en mediano formato y ubicando un grupo de figuras en primer plano-, el pintor barroco neerlandés Jan Baptist Weenix (Ámsterdam, 1621- Vleuten ¿1660?) fue un fecundo y versátil artista que sentía predilección primero por los paisajes italianos con alargadas figuras entre ruinas – Escena de caza expuesto en la National Gallery de Londres-, escasas escenas religiosas – entre ellas Jacob y Esaú en Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde- y luego los bodegones de caza muerta o perros. Su obra se encuentra en las principales galerías de San Petersburgo, Viena, Múnich y Ámsterdam.

De pequeño, Weenix no podía hablar bien por problemas de salud. Recibe clases con Jack Micker, en su estancia en Ultrecht aprende con el pintor naturalista Abraham Bloemart en su taller –por donde también pasaron indistintamente Both, Poelenburgh, Wouter Crabeth, entre otros-. Retorna a su natal Ámsterdam, y recibe clases con Claes Cornelisz. Escapa de su casa, hasta que su hija lo sigue hasta Rotterdam.

Se embarca hacia la capital italiana, después de recibir la negativa de su esposa de acompañarlo. De su paso por Roma, entre 1620 a 1720, se alista en una sociedad de artistas de artistas mayormente holandeses y flamencos radicados allí, que se hizo llamar Bentvueghels o “Pájaros de una pluma”. También se conocieron por “Camarilla de pintores” o Schildersbent. En esta etapa realizó trabajos para el Papa Inocencio X, quien lo consideró mucho.

Weenix está al frente de un gremio de artesanos o guilda, en 1649; entonces realiza un retrato del filósofo, matemático y científico francés Miguel Descartes.

Al final de su vida, se interna en un castillo en las afueras de Ultrech, dicen algunos que para dedicarse entero a su obra, otros que aquejado por su enfermedad se retiró a morir en paz, de cualquier forma lo hizo sumido en la pobreza.

Jean Honoré Fragonard

2011-12-01T12:47:00.000-08:00

El refinamiento y la sensualidad de El columpio (1967) –óleo sobre lienzo, se conserva en la Colección Wallace de Londres- en el símbolo del movimiento artístico del Rococó, gracias al talento de su creador el pintor y grabador francés Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 – París, 22 de agosto de 1806), un artista que abordó todos los géneros pictóricos: retratos, paisajes, escenas familiares, temas bíblicos, mitológicos. Sus obras se encuentran en museos en Nancy, Orleans, Grenoble, Besançon, Chantilly, Nantes, Marseille, Ruan, Avignon, Lille, Amiens y Tours; así como en colecciones privadas en Londres y París.

Luego de haber estudiado en los talleres de los artistas parisinos Françoise Boucher, Charles-André van Loo y de Chardin, Fragonard gana con su obra Jeroboam sacrificando a los ídolos (1752, École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, París) el Premio de Roma –auspiciado por el Real Academia de Escultura y Pintura de Francia-, el cual le permitiría, de la mano del artista Hubert Robert, conocer los futuros escenarios de sus pinturas. Antes de partir pinta Cristo lavando los pies de los apóstoles (1745-1755, catedral de Grasse). En su paso por Venecia estudia la obra de Giovanni Battista Tiepolo.

Hasta ese momento, el artista no se había decidido qué temática prevalecería en su obra y no es hasta que pinta Coreso y Calliroe (Le grand prêtre Corésus se sacrifie pour sauver Callirhoé o Coreso y Calirroe, Museo del Louvre, París) en 1765, elogiada por el escritor y filósofo francés Denis Diderot y adquirida por el rey Luis XV, lo que le valió varios trabajos y su ingreso en la Academia de Artes. Fragonard pintó la vida palaciega con gran virtuosismo y belleza, especialmente por el uso de los colores. En esta etapa sus obras más destacadas son: El beso robado (1759, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York); Le verrou, La cerradura o El cerrojo (1777, 74 x 94 cm, Museo del Louvre, París); Les baigneuses (Las bañistas) (1763 - 1764, 64 x 80 cm, Museo del Louvre, París); algunas decoraciones y retratos.

Con el estallido de la Revolución Francesa, Fragonard se refugia en casa de su amigo Alexandre Maubert, allí decora unos paneles conocidos como Roman d'amour de la jeunesse. Retorna a París a principios del siglo XIX donde muere casi olvidado; hasta varios años después en que es reconocido en la literatura especializada entre los grandes maestros. Entre sus obras están: La gallina ciega (1760, Museo de Arte de Toledo, Ohio, Estados Unidos); Le voeu à l'Amour o El juramento al amor (1780 - 1785, Museo del Louvre, París); Le feu aux poudres o Fuego a la pólvora (antes de 1778, 37 x 45 cm, Museo del Louvre, París).

Domenico Ghirlandaio (Domenico Bigordi)

2011-11-21T05:25:00.000-08:00

Mentor del genial Miguel Ángel, a quien introdujo en el arte, el pintor del Quatrocentto italiano Ghirlandaio (1449 - 1494), está considerado por el valor artístico de su obra como superior a todos sus precursores y contemporáneos. Su nombre aparece en la nómina de los más grandes artistas del Renacimiento italiano junto a Giotto, Masaccio, Filippo Lippi y Botticelli, algo sorprendente en un creador que nunca utilizó la pintura al óleo, ejecutó con maestría la gama cromática en los frescos y se destacó por un excelente uso de los claroscuros. Sus estudios y dibujos tienen gran vigencia gráfica, y se encuentran expuestos en la Galería de los Uffici.

Ghirlandaio, apodo que significa fabricante de guirnaldas, por el oficio de su padre, se llamó Domenico Bigordi o Domenico Curradi. Fue básicamente un dibujante, “pintar se corresponde a dibujar”, decía; la dureza del contorno de sus dibujos advertía sus inicios en la escultura en bronce; pionero en llevar una mezcla de arte sacro y profano al arte florentino. Hombre insatisfecho y voraz trabajador, admitía cualquier encargo aunque no se consideraba ambicioso. Giorgio Vasari aseguraba que fue el primero en eliminar el uso del dorado en sus obras, lo cual acentuaba el realismo, aunque hay excepciones como Adoración de los Pastores (expuesta en la galería de la Academia de Florencia).

En los últimos años de su vida se convirtió en el pintor más hábil de su tiempo, a pesar de la brevedad de su existencia tuvo una obra numerosa y de gran calidad en frescos, mosaicos, retratos y las tablas de altar. No dedicó especial interés al desnudo, realizó muy pocos como Vulcano y sus ayudantes que forjan los Rayos.

Sus frescos más importantes son: San Jerónimo (iglesia de Ognissanti, 1480), Última cena (Convento de San Marcos, 1480), la notable Apoteosis de San Zenobio (Sala de los Lirios, Palacio Vecchio, entre 1481 y 1485) denominada obra “metafísica”, Cristo que nombra a Pedro y Andrés sus apóstoles (decoración mural de la Capilla Sixtina, 1483) convocado por el Papa Sixto IV. Los de mayor relevancia: los que abordan la vida de San Francisco en la Capilla Sassetti en la iglesia de Santa Trinidad, en tres episodios principales San Francisco recibiendo del papa Honorio III la aprobación de la regla de su orden, La muerte y exequias de San Francisco y La resurrección por intercesión del santo de un niño de la familia Spini, junto a los de la Catedral de Santa María de Novella.

En sus frescos aparecían importantes personajes de la época: Ángel que se aparece a Zacarías, Anunciación de Ana e Isabel, Prendimiento de Joaquín en el Templo, Retrato de Giovanna Tornabuoni.

Tablas de altar ejecutadas a tempera: Virgen adorada por los santos Zenobio, Justo y otros, Cristo en la Gloria con Romualdo y otros santos, Adoración de los Magos.

Domenico di Bartolomeo

2011-11-16T09:30:00.000-08:00

Entre los artistas del Quatrocentto que realizó aportaciones en el manejo del color al Renacimiento italiano, se encuentra Domenico di Bartolomeo da Venezia (Venecia, c.1400 - Florencia, 1461).

Estudioso de la representación del espacio y las figuras en la obra de Masaccio, Paolo Uccello y Castagno, Domenico se centró en los efectos de la luz sobre los colores y también el uso de la perspectiva. Uno de los métodos usados para intensificar los colores a base de añadir más aceite a la tempera como aglutinante. Domenico la utilizó para crear efectos de luz “atmosféricos”, característico en su obra más famosa y revolucionaria: el Retablo de Santa Lucía de' Magnoli.

Trabajó en la capital de la Toscana para los frescos desaparecidos de la iglesia de San Egidio en el Hospital Santa María Nuova, junto a Piero della Francesca y Bicci di Lorenzo (maestro del gótico tardío).

En una de sus obras, La adoración de los Magos (1440-43) se puede apreciar la influencia de pintores del estilo gótico, aunque hay elementos de la forma y la composición que denotan un innegable estilo renacentista.

Su último trabajo, removido en 1566, fue Juan Bautista y San Francisco (1454), un fresco para la Capilla Calvacanti. Según algunos especialistas, en esta obra se advierte la influencia de Castagno por la fuerza de la pintura y la solidez de las figuras. También denota un cambio en el estilo de Domenico al incorporar algunas innovaciones de la pintura florentina aportados por Fra Filippo Lippi y Andrea del Castagno.

Jean Auguste Dominique Ingres

2011-11-15T23:00:00.000-08:00

Amaury Duval –su primer alumno-, Théodore Chassériau, Edgar Degas, Pablo Picasso, y hasta los mejores pintores impresionistas fueron seducidos por la obra del multifacético francés Dominique Ingres, (Montauban, 29 de agosto de 1780 – París; 14 de enero de 1867). Pintor y segundo violinista en la orquesta del Capitolio de Toulouse –de ahí la expresión francesa violon d'Ingres (violín de Ingres)-; su creación pictórica constituye una crónica social de la burguesía de la época en que le tocó vivir, pues fue capaz de plasmar en ella sus matices, el espíritu y los matices de determinada clase a la que perteneció. Su ciudad natal le dedicó un museo.

Su ferviente defensa del dibujo no lo encasilla ni en lo neoclásico o el academicismo; es clásico –aunque cuando fue a estudiar con David, en París, la frialdad de este estilo no encajaba en su armónico concepto de belleza-, realista y romántico –por el trazo, los temas y el inmenso colorido-. Una parte de su obra se enmarca en el “estilo trovador” por su apego al estilo griego y gótico; otra clasifica en el orientalismo por el sentido irreal del exotismo de sus mujeres desnudas, al estilo del siglo XVIII.

Aquiles recibiendo a los embajadores de Agamenón (1801) le trajo el Premio de Roma. Pinta entonces La familia Riviére (1805); Granet, La hermosa Celia; Napoleón entronizado (1806). Entonces descubre a Rafael y el Quatrocentto italiano que perfilan definitivamente su estilo, en un momento de creación fecunda, a través de dibujos, retratos, las composiciones históricas o religiosas, las féminas sensuales: La bañista, Juana de Arco, La virgen de la hostia, Jesús entre los doctores, Cristo entregando a San Pedro las llaves del reino (1820). La crítica francesa es despiadada con él, por ello se instala en Roma; pero vuelve a la ciudad parisina de la mano del triunfo con el lienzo El voto de Luis XIII, (1824), realizado para la Catedral de Montauban. Decora las vidrieras de la Capilla de Notre Dame (1841); expone por primera vez en Bellas Artes y es nombrado director de la Academia de Francia en Roma. Fue senador.

Una enfermedad le atacó los ojos, por lo cual debió auxiliarse de sus alumnos al final de su vida, lo que algunos llamaron el período maduro –el cual se caracterizó por la búsqueda de una perfección en las formas-. Igualmente su obra se divide en tres géneros: pintura histórica ―Juana de Arco en la coronación de Carlos VII (1854, Museo del Louvre, París), La muerte de Leonardo da Vinci (1818, Petit Palais, París) y La imposición del Toisón de Oro al duque de Berwick (Madrid, Palacio de Liria); retratos ―Mademoiselle Caroline Rivière (1806, Louvre), Monsieur Bertin (1832, Louvre) o Madame Moitessier (1856) (Galería Nacional de Londres) y los desnudos femeninos ―Gran bañista (llamada La bañista de Valpinçon,1808, Louvre), La gran odalisca (1814, Louvre) y El baño turco (1862, Louvre).

George Braque

2011-11-14T15:56:00.000-08:00

Entre los tres más importantes precursores o creadores decisivos en el desarrollo del cubismo, junto a Pablo Picasso y Juan Gris se encuentra el pintor y escultor francés George Braque (13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963).

Proveniente de una familia de artesanos, Braque creció en una ciudad situada al noroeste de Francia, Le Havre, y estudió de 1897 a 1899 en la Ecole des Beaux-Arts. A principios del siglo pasado llega a la Ciudad Luz a estudiar en la Academia Humbert, donde conoce a la pintora y grabadora Marie Laurencin y al versátil creador Francis Picabia, ambos franceses; luego ingresa en la Escuela de Bellas Artes. El Salón de Otoño de 1905, evento artístico que marca el comienzo del fauvismo, sedujo al joven Braque quien incorpora a sus creaciones, con intencionalidad, los colores violeta y rosa.

Junto a Othon Friesz realiza un viaje en 1906 a la ciudad de Amberes, un año después a La Ciotat y a L'Estaque. En esta última estancia, Braque pinta una serie de paisajes que preceden su estilo cubista –utiliza una serie de líneas que así lo confirman-. Sus obras en esta denominada primera etapa son de superficies intercaladas y planos oblicuos compuestas fundamentalmente a partir de cubos y pobre uso del color. Entonces pinta La bañista (1907). Visita una retrospectiva de Cézanne y conoce a Pablo Picasso, acontecimientos que dan un giro total hacia el cubismo en la obra de este artista, el cual contribuye a su desarrollo.

En 1910 pinta Botellas y pescados; con El portugués (1911) actualmente en el Museo de Arte de Basilea, al igual que Violín y jarros (1913) Braque inserta, como nunca cantes, palabras y números reproducidos. Le siguen Compotera y vaso (1912); y en 1913 El clarinete, actualmente en una colección particular en New York, La mesa del músico y Vaso y violín –ambos en el Museo de Arte de Basilea. Parte de esta etapa, de 1909 a 1912, se ha denominado “cubismo analítico” por facetas los objetos llegan hasta ser casi imperceptibles- y el “cubismo sintético” en el que se destaca más que el propio Picasso.

Luego de participar en la Primera Guerra Mundial, donde fue gravemente herido, vuelve a París, retorna a sus lienzos: lo inspiran los paisajes, las naturalezas muertas, pinta muchos bodegones, figuras alargadas: Bodegón (1918) en formato oval y La mujer del músico (1917-1918), ambas en el Museo de Arte de Basilea; Bodegón con guitarra II (1921-1922) –Galería Nacional de Praga-; Guitarra y cántaro (1927) Tate Gallery, Londres. Después de la Segunda Guerra Mundial, la seriedad y austeridad caracterizan su obra: El velador (Le Jou) (1930), El dúo (1937) y la serie Talleres (1945-1956).

Georges Pierre Seurat

2011-11-08T18:02:00.000-08:00

Los sentimientos son atrapados a través de colores cálidos o fríos, ofreciendo una nueva lectura de la línea y de la paleta cromática, en la obra del fundador del Neoimpresionismo, el pintor francés Georges Pierre Seurat (2 de diciembre de 1859 – 29 de marzo de 1891). El arte es armonía; - escribió en una carta a Maurice Beaubourg, un año antes de morir y luego de varios escándalos en los circuitos artísticos por su puntillismo - La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes. Estas concepciones científicas sobre el color, que él llamó “Cromoluminarismo” marcaron un nuevo lenguaje artístico. Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte –realizada por Seurat en 1886 y actualmente en el Instituto de Arte de Chicago- está considerada una de las obras emblemáticas de la pintura decimonónica, porque marca el nacimiento del puntillismo. Con su muerte quedaron inconclusas sus investigaciones sobre el divisionismo, el puntillismo –técnica que fue creada por él- y la física de los colores.

Entre sus creaciones más importantes se encuentran: Une baignade à Asnières (Baño en Asnières) –pintada en 1884, actualmente en la National Gallery de Londres-; el Estudio para las modelos (Poseuse de face, 1887), actualmente en el Museo de Orsay, París, al igual que Las modelos (Les Poseuses). De 1888 son: La Seine à la Grande-Jatte –Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica-; en el MOMA de Nueva York está El desfile del circo. Luego pinta: La Manche à Gravelines y El chahut en 1890; La Torre Eiffel, Periferia y Le Cirque(1891) –actualmente en el museo parisino de Orsay y el cual quedó incompleto por la muerte del artista a la edad de 31 años, por la difteria-.

Seurat estudia, por su amigo Edmond Aman-Jean, en la Escuela de Bellas Artes de París (1875) –en la cual no destaca por su talento artístico-; trabajó por un tiempo en el Museo del Louvre donde se interesó frebilmente por las creaciones de los clasistas Rafael, Nicolás Poussin y Holbein –llegando a copiar sus obras-. Realiza luego algunos estudios sobre la luz, bocetos en blanco y negro, y su primer gran lienzo Un baño en Asnieres (1883). Su obra fue rechazada en el Salón de París –exposición de arte de la Academia de Bellas Artes parisina- y Seurat se alía al Salón de los Independientes –cuyo lema era “sin jurados ni premios”, y estaba conformado por artistas que no eran apoyados por las instituciones-. Allí conoce a Paul Signac, y juntos comparten después la técnica del puntillismo. Sus primeras obras puntillistas eran paisajes, años más tarde incluyó retratos –algo que desagradó y escandalizó a muchos en su época, pero Seurat recibió el apoyo de los otros neoimpresionistas-. Murió alejado y con una familia numerosa y dispersa.

Giovanni Battista Tiepolo (Giambattista)

2011-11-06T16:12:00.000-08:00

Discípulo de Gregorio Lazzarini, admirador y estudioso de la obra de Tiziano, Veronés –toma de él los fondos arquitectónicos para sus temas bíblicos y mitológicos- y Tintoretto, el pintor y grabador italiano Giambattista Tiepolo (Venecia, 5 de marzo de 1696 – Madrid, 27 de marzo de 1770), es el más grande decorador del siglo, el último significativo artista del barroco y figura entre los más importantes del rococó italiano. De una imaginación creativa fecunda, tuvo mucho éxito. Maestro de la iluminación e influyente importante en la obra de Goya. Su obra es generalmente vertical, en la que recrea apariciones, temas de martirio de santos, pues mayormente fue contratado por iglesias y cofradías venecianas.

Padre de otros dos excelentes creadores, Lorenzo y Giovani Domenico –quien colabora con su padre a partir de 1740-, Giambattista pintó frescos en varias ciudades europeas: Vicenza – Generosidad de Escipión, 1731-, Milán – Tentación de San Antonio- , Udine, Bérgamo, Venecia –en esta ciudad perfecciona su perspectiva gracias a Gerolamo Mengozzi-Colonna-, Residencia de Wurzburgo (Alemania) hasta Madrid –su última morada-, donde fue contratado por la realeza. En el Palacio Arzobispal de Udine, en Italia, Giambattista pintó 1726 y 1728, los frescos Raquel escondiendo los ídolos dométicos y Sara y el arcángel; mientras que en Wurzburgo, en 1752 y junto a sus hijos, decoró la nueva residencia del príncipe-obispo alemán –de la cual se conserva un boceto de Investidura del obispo Harold como duque de Franconia en el Museo Metropolitano de Nueva York-. En Venecia pintó Agar e Ismael en el desierto (1732), Virgen del Carmen (1732) y Traslación de la Santa Casa de Loreto (1743–1745) y reprodujo vistas minuciosas de la ciudad, denominadas vedutte; en Ámsterdam Telémaco y Mentor (1740); el Martirio de santa Águeda (1750) en Berlín y La visita de Enrique III a la villa Contarini hacia 1750 en París.

En su comienzo, Giambattista siguió a grandes como Bencovich, Ricci, pero tras su éxito en los encargos, se aleja de la rigurosidad académica. Sus obras siempre se han caracterizado por el dominio del dibujo, las iluminaciones en ciertas zonas de la composición logrando efectos ilusionistas.

Otras creaciones importantes son los Frescos del Palacio Real de Madrid, en 1764; La muerte de Jacinto; Adoración de los Reyes y Rinaldo y Armida (1753, en Múnich), realizó algunos lienzos para la iglesia del convento de San Pascual en España: Inmaculada Concepción (1767–1769), San Antonio de Padua y San Pascual bailón. San Carlos Borromeo (1767–1769); La Virgen con san José y cinco santos (1750) en Budapest.

Georges Henri Rouault

2011-11-05T15:26:00.000-07:00

La naturaleza humana encontró en el pintor expresionista y fauvista francés Georges Henri Rouault (París, 27 de mayo de 1871 – 13 de febrero de 1958) uno de sus mejores exponentes. “Un árbol contra el cielo posee el mismo interés, el mismo carácter, la misma expresión que la figura de un ser humano” dijo en una ocasión este artista que también trabajó la litografía, el aguafuerte y que, en los finales de su vida, quemó unos trescientos cuadros que hoy valdrían una fortuna.

Autor de: Camino del calvario (1891); La Santa Faz (1933); El rey viejo (1937), que se considera su mejor obra expresionista y Ciclo Miserere, expuesto en 1948, entre sus obras más conocidas; desde su adolescencia se vinculó a la pintura como pintor de vidrio policromado –esta experiencia marcó su estilo en cuanto a la línea negra fuerte definitoria en sus composiciones y la intensidad cromática- y restaurador. Logra entrar a la Academia de arte oficial de Francia; se convierte en el alumno predilecto de Gustave Moreau –se percibe la influencia de este artista en la obra de Roualt- llegando a ser el curador del museo homónimo de su maestro luego de su fallecimiento.

Su estilo dentro de los fauvistas siempre se identificó por ser instintivo y espontáneo –características que le atribuyeron a la influencia de Vincent van Gogh-. Fueron Henri Matisse –líder del grupo-, Albert Marquet, Henri Manguin, y Charles Camoin quienes lo acercaron al Fauvismo, participando junto a ellos en grandes exposiciones públicas como el Salon d’Automne.

Se interesó por la crítica social y moral, a partir de los primeros años del siglo XX y lo hizo a través de una serie de payasos, tribunales y prostitutas. Entonces entabló una gran amistad con el filósofo Jacques Maritain, a través del cual se acercó al existencialismo dramático y al espiritualismo; dedicándose después a los temas religiosos.

Sus personajes recalcados hasta lo grotesco, inspiraron a los expresionistas, quienes comenzaron a estudiarlo después de su primera muestra en la Galería Druet; en aquel entonces artistas alemanes que posteriormente formarían el círculo expresionista.

A partir de 1917, Roualt se dedicó a los temas religiosos a través de la pintura, en los que de cierta manera hacía alusión a sus creencias sobre la resurrección. Sus motivos eran la pasión de Cristo, la crucifixión, la faz de Jesús y el llanto de las vírgenes al pie de la cruz que representaban el dolor aliviado por la promesa de una vida eterna en el Paraíso.

En la década del 30 expuso en Londres, Nueva York y Chicago.

Jean Cocteau

2011-09-28T22:52:00.000-07:00

Retrato de Jean Cocteau por Federico Madrazo de Ochoa

La versatilidad artística y la sensibilidad resumen la obra del creador francés Jean Cocteau (Maisons-Laffitte, 5 de julio de 1889 - Milly-la-Forêt, 11 de octubre de 1963), poeta, novelista, dramaturgo, pintor, diseñador, crítico y cineasta, integrante de la Academia francesa y Miembro Honorario del Instituto Nacional de Artes y Letras de Nueva York.

Víctima de una niñez signada por la tragedia, el padre se suicida y la madre lo sobreprotege, Cocteau sorteó varios obstáculos en su vida producto de su poco interés por los estudios, hasta 1908 en que su admirador Édouard de Max lo presentó en una Matinée Poética en el Théâtre Fémina como un joven prodigio de la poesía; un año antes de la publicación de su primera compilación poética, La lampe d'Aladin (1909).

Ingresa al círculo del ballet y el teatro gracias a su amigo Serguei Diaguilev, empresario ruso fundador de los Ballets Rusos. En 1923 se sumerge en la heroína tras la muerte de su gran compañero Raymond Radiguet, vicio que lo acompañó hasta los últimos días de su vida; incluso aseguró que no escribiría más.

En 1930 realiza su primera película La sangre de un poeta, luego filma La Belle et la Bête (1945) y es donde conoce al bailarín Jean Marais con quien tiene una fuerte relación sentimental que lo lleva, para defender su amor, a escribir ensayos sobre la homofobia.

Entre sus obras de artes plásticas se encuentran: Dessins, (1923); Le mystère de Jean l'oiseleur, (1925); Maison de santé, (1926); Poésie plastique, (1927); 25 dessins d'un dormeur, (1928); Soixante dessins pour les Enfants terribles, (1935); Dessins en marge du texte des Chevaliers de la table ronde, (1941); Drôle de ménage, (1948); La chapelle Saint-Pierre, Villefranche-sur-mer, (1957); La salle des mariages, Hôtel de ville de Menton, (1957); La Chapelle Saint-Pierre, (1958); Saint-Blaise- des -simples, (1960).

En novela: Le Potomak, (1919); Le Grand écart, (1923) (La gran separación. Editorial Cabaret Voltaire, 2009) ; Thomas l'imposteur, (1923) (Thomas el impostor. Editorial Cabaret Voltaire, 2006); Le livre blanc, (1928) (El libro blanco. Editorial Cabaret Voltaire, 2010), entre otros. Poesía: Le prince frivole, (1910); La danse de Sophocle, (1912); Le Cap de Bonne-Espérance, (1918); L'Ode à Picasso, (1919); Poésies 1917-1920, (1920); Vocabulaire, (1922); Plain-chant, (1923); Cri écrit, (1925).

Dramaturgia : Orphée, (1926); Oedipe roi, (1928); Roméo et Juliette, (1928); La Voix humaine (La voz humana), (1930); La machine infernale, (1934); Le bel indifférent, (1940); Théâtre I: Antigone - Les Mariés de la tour Eiffel - Les Chevaliers de la table ronde - Les Parents terribles, (1948); Théâtre II: Les Monstres sacrés- La Machine à écrire - Renaud et Armide - L'aigle à deux têtes (El águila de dos cabezas), (1948).

Henri Matisse

2011-09-26T21:23:00.000-07:00

Uno de los grandes artistas parisinos del siglo XX, dibujante, grabador, escultor pero principalmente pintor –célebre por el uso del color y la originalidad y fluidez de sus dibujos-, fue Henri Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954). Figura central del arte moderno, en sus inicios se identificó con el fauvismo, autor de una prolífera obra está considerado junto a Pablo Picasso los más importantes de la pasada centuria.

Su itinerario por la diversidad de estilos artísticos lo demuestra en la versatilidad de su obra: comenzó estudiando dibujo del más tradicional (obra El tejedor bretón), aún convaleciente de una enfermedad que lo arrojó a los brazos de la pintura. Recibe cursos en el taller del pintor simbolista Gustave Moreau. Animado por los aires impresionistas de la época, pinta paisajes de Córcega y de la Costa Azul, aunque practicó el divisionismo. Entonces tenía como discípulo a su amigo pintor japonés Yoshio Aoyama, a quien se le debe en la historia del arte el término “azul Aoyama”.

Luego sigue a Cézanne, su influencia se denota en la obra de Matisse. Más tarde llegaría la eliminación de detalles, la simplificación: el fauvismo; logrando obras inspiradoras de paz y armonía (Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra) o con un ritmo característico como Las alfombras rojas en los que tradujo a su manera la forma de los objetos y el espacio existente entre ellos, además de introducir arabescos. Amén de su cuidado en la composición, sus colores denotan cierta sensualidad como un regodeo, rasgos que, junto a la bidimensionalidad (La habitación roja -o Armonía en rojo- y Naturaleza muerta con berenjenas) en la que juega con la profundidad de campo, identifican sus obras.

Su acercamiento a la estética oriental se debe a un viaje a España: Granada y Sevilla, luego pinta Los marroquíes. Se asoma al cubismo con El pintor y su modelo, logrando una simplificación mayor. Sus obras más célebres son Ventana en Niza y la serie de Odaliscas, en las que denota su gusto por la ornamentación y el uso de arabescos.

Un estallido de colores en su obra se advierte hacia la década de los 40, con la realización de gouaches como La blusa rumana, en el Gran interior rojo y en la serie Jazz.

Colaboró para revistas especializadas de arte escribiendo artículos; realizó alrededor de 500 piezas de grabado entre litografías, xilografías y agua fuertes. Trabajó el bronce en la escultura. Su obra cumbre de simplificación de las formas planas está en la decoración de la capilla del Rosario de las dominicas de Venze.

Una parte de su obra está atesorada en Niza, en el Museo Matisse.

Annibale Carracci

2011-09-22T18:51:00.000-07:00

El más famoso pintor de la tradición de los Carracci y principal rival de Caravaggio fue el pintor y grabador italiano del Barroco, Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609). Su obra se enmarca dentro del clasicismo romano-boloñés.

Su controversia con Caravaggio cuaja en el hogar, donde consideraban a este como el Anticristo del arte. Ante ello el hermano mayor de Annibale, Agostino Carracci, junto a su primo Ludovico, fundaron la academia artística Desiderosi (Deseosos de fama y aprender), que luego se llamó la Academia de los Incamminati (Progresistas) y finalmente la Escuela de los Eclécticos. Su principal objetivo era renovar la pintura, degenerada según ellos durante el Manierismo y amenazada por el naturalismo de Caravaggio.

Se advierte en la obra de los Carracci de esa época, unos guiños al estilo de Miguel Ángel, la dureza de las figuras, típico del arte florentino, conjugado con la manera veneciana de utilizar el color, de crear las atmósferas. Esto llevó, siglos más tarde, a ser considerados influidos por un clasicismo conservador opuesto al estilo de Tiziano; cualidades atribuidas a los pintores de la escuela boloñesa, entre ellos sus más fervientes seguidores: Domenichino y Reni.

Al fundirse todos y trabajar en grupo, es muy difícil distinguir a cada exponente en algunas de sus primeras obras: entre tantos los frescos del Palazzo Faya de Bolonia (c.1583-84) donde trabajaron hasta 1595 cuando Annibale alcanza gran notoriedad. Entonces es llamado para decorar lo que sería su obra maestra: la galería en el Palacio Farnesio (actual embajada de Francia) en Roma, un encargo del Cardenal Odoardo Farnese. Aquí trabaja por un tiempo con su hermano Agostino, quien abandona por desavenencias, mientras algunas partes secundarias fueron ejecutadas por Francesco Albani. No obstante Carracci cayó en una gran depresión y una parálisis en un brazo, porque sus honorarios no fueron bien pagados y se desestimó muchísimo su obra. De esta etapa son los murales en la iglesia de Santiago de los Españoles, en Roma.

Su obra se encuentra preferentemente en España, en el Museo del Prado. Sobre su impronta en el grabado destacan La Piedad de Caprarola (1597), La Virgen de la escudilla y Cristo coronado de espinas, ambos de 1606. Y en pintura, entre otras: Hombre comiendo judías (1580-1590), La carnicería (años 1580), Crucifixión y santos (1583), Venus, Adonis y Cupido (h. 1590), Descanso en la huida a Egipto (h. 1600), Lamentación por la muerte de Cristo (1606) y La Asunción de María (1590).

Tintoretto

2011-09-17T15:58:00.000-07:00

Hay quienes consideran a Tintoretto (Venecia, 29 de septiembre de 1518 - Venecia, 31 de mayo de 1594) el último gran pintor del Renacimiento italiano. Apodado así porque su padre Giovani era tintorero, a Jacopo Comin, como realmente se llamó, también se le conoció como Il Furioso por su energía devoradora en el acto de creación artística donde se destacó como precursor del barroco por el uso dramático de la perspectiva y los efectos de luz. Algunas veces utilizaba como modelos a personas muertas diseccionadas o estudiadas en escuelas de anatomía. Sus obras más notorias abordan temáticas religiosas de la vida de Jesús y María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.

Alumno de Tiziano, su modelo del arte del dibujo lo encontró en Miguel Ángel. Sentía interés por las corrientes manieristas toscanas, romanas y emilianas y estudió los modelos de la Capilla funeraria de los Médicis (Florencia): la Aurora, el Día, el Crepúsculo y la Noche. El festín de Belshazzar y Lucha de caballería –ambas han desaparecido sí como sus frescos- fueron sus primeras pinturas murales reconocidas; Presentación de Jesús en el Templo y Anunciación y Cristo con la Mujer de Samaria son de sus primeras obras que se aún se conservan en la iglesia del Carmen en Venecia y en San Benedetto. Adán y Eva y La muerte de Abel mostrados en Galería de la Academia de Venecia, evidencian la maestría y el gran prestigio que como pintor tenía Tintoretto en 1550-1552, Venecia.

San Marcos liberando al esclavo en 1548, es la que asienta su estilo y está considerada una obra maestra pero renovadora, se caracteriza por la acción vehemente con violentos escorzos. Su impronta en los murales se evidencia en las obras que hizo para la escuela e iglesia de San Roque: La curación del paralítico (1559), en 1576: Plaga de serpientes, La caída de maná, El milagro de la serpiente de bronce; entre 1583 y 1587: Anunciación, Asunción de la Virgen, La huida a Egipto, Santa María Magdalena y Santa María de Egipto. Años más tarde también trabajó en el Palacio Ducal de Venecia. Paraíso - está considerado el mayor cuadro del mundo sobre lienzo, con sus 7,45 por 24,65 metros - y La última cena –en comparación la obra homónima de Da Vinci, evidencia la evolución del Renacimiento- son las obras que culminan la carrera artística de este célebre artistas que también cultivó en menor grado el retrato.

Discriminado por ser hijo de un tintorero, algunas de las obras de Tintoretto fueron consideradas mediocres. Murió de peste el 31 de mayo de 1594. Fue descubierto como gran maestro en el siglo XX.

Tiziano Vecellio

2011-09-06T18:54:00.000-07:00

La escuela veneciana tuvo en Tiziano ―Tiziano Vecellio o Vecelli (Pieve di Cadore, Belluno, 1477 - Venecia, 27 de agosto de 1576)-, uno de sus mejores exponentes y el más laureado de la República Serenísima en toda su historia; pintor italiano del Renacimiento, era conocido como uno de los más versátiles capaz de ejecutar magistralmente retratos, paisajes, escenas mitológicas o de temática religiosa con un uso del color vivaz y luminoso, su dominio característico del realismo, las pinceladas sueltas y una delicadeza en los empastes sin antecedente alguno para su época. Se considera que anticipó algunas cualidades del Barroco. Fue un cronista de su época pues plasmó en su obra desde las clases pobres, hasta la nobleza, las comunidades religiosas.

Junto a Giorgione lideró la nueva escuela de “arte moderna” de pintura, caracterizada por su flexibilidad, libres de simetrías y el hieratismo. De esta etapa son sus primeras obras El fresco sobre Hércules en el palacio Morosini, Virgen con el Niño del palacio de Belvedere en Viena y la Visitación de María a Isabel (del convento de San Andrés), expuesta hoy en la Galería de la Academia de Venecia. Su primera obra conocida fue Ecce Homo (Kunsthistorisches Museum de Viena, 1541) de la Escuela de San Roque.

La Asunción de la Virgen, para el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia en 1518 causó sensación en su época. De esta época es El martirio de San Pedro de Verona (1530) con el cual comienza a cultivar un estilo más dramático: pinta La batalla de Cadore, ambas destruidas. Bajo el mecenazgo del Papa Pablo III, al cual retrató varias veces, pintó Magdalena penitente, Ecce homo y la primera versión de Danae, que se conserva en el Museo de Capodimonte. Ya en los finales de su vida alcanza gran dramatismo –mezcla de emoción y tragedia- en su obra, y notoriedad: La coronación de espinas (Museo del Louvre), Los peregrinos de Emaús El Dux Grimani adorando a la Fe (Palacio Ducal de Venecia) o de la Trinidad (Museo del Prado), las Danae de Nápoles y de Madrid, la Antíope del Louvre, el Rapto de Europa (en Boston, colección Gardner). De su relación de amistad con el entonces príncipe Felipe II son Paisaje y la Santa Margarita con el dragón, Entierro de Cristo, la Oración en el Huerto y una segunda versión del Martirio de San Lorenzo para el Monasterio de El Escorial, la serie de Venus y otras composiciones de carácter patriótico como Felipe II ofrece al cielo al infante don Fernando, encargada por el rey en 1571 en conmemoración de la victoria de Lepanto y la Religión socorrida por España del Museo del Prado.

En la Piedad se retrató a sí mismo y a su hijo Horacio ante el Salvador, acompañados de una sibila. Murió víctima de la epidemia de la peste, sus restos descansan en la iglesia de Santa María dei Frari.

Alberto Durero

2011-08-30T11:51:00.000-07:00

Admirado y estudiado por la pasmosa exactitud geométrica de sus composiciones, Alberto Durero, en alemán Albrecht Dürer, (Núremberg, 21 de mayo de 1471 - Núremberg, 6 de abril de 1528) es el más famoso creador a nivel mundial del Renacimiento alemán. Pintor, dibujante, grabador y teórico sobre el arte, Durero ejerció una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Sus orígenes están en la pintura flamenca del gótico tardío. Logró en sus grabados plasmar texturas y sombreados para lograr figuras tridimensionales nunca antes vistas en esta disciplina.

Desde su temprano asombro a las artes, Durero se planteó la realización de un modelo de concebir el arte donde se conjugaran el empirismo por los detalles naturalistas con los presupuestos teóricos italianos, encontrando en la geometría la solución para entender el renacimiento italiano y a su vez el arte clásico. Al respecto, escribió durante toda su vida y realizó dibujos para su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528). Recabó ayuda en sus amigos, entre los cuales, el austriaco Johann Stabius le proporcionó los conocimientos sobre la construcción de relojes solares; sin embargo sus coetáneos pusieron mayor interés en sus xilografías que en sus proposiciones ideoestéticas sobre el arte renacentista.

En Suiza, en las ciudades Basilea y Estrasburgo, Durero ilustró varias publicaciones, entre ellas Das Narrenschiff de Sebastian Brant en 1494 (traducida en 1507 como La nave de los locos). Esta primera etapa de su creación se distingue por la facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosidad en el detalle, luego viaja a Italia donde realiza varias acuarelas. De vuelta en su ciudad natal, entre 1495 y 1505, realiza sus más significativos grabados en los que refleja el entorno con gran realismo: la serie del Apocalipsis (1498), Baño de hombres, Sansón con el león, La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504). Su preocupación por el reconocimiento de los artesanos como artistas se evidencian en sus autorretratos en donde aparece imitando a Cristo: Autorretrato (1498 Museo del Prado, Madrid) y Autorretrato (1500 Pinacoteca Antigua de Múnich).

Trabaja primero para la corte del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Maximiliano I, luego para Carlos I: El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), San Jerónimo en su celda (1514) y La melancolía (1514). Sus dos últimas obras –dos tablas a gran escala- son Cuatro apóstoles (hacia 1526, Alte Pinakothek Múnich). En sus obras siempre mostró un profundo sentido de la historia y además estuvo siempre consciente del potencial creativo que poseía, de sus ideas renovadoras sobre el arte.

El Greco

2011-08-03T16:07:00.000-07:00

Considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental, El Greco (Candía, 1541 – Toledo, 1614) o Doménikos Theotokópoulos por su origen griego, fue un pintor del final del Renacimiento que alcanzó gran notoriedad por su estilo propio; aunque algunos lo consideraran –según la época-: excéntrico, místico, manierista, protomoderno, lunático y hasta astigmático.

Entre sus obras destacan lienzos de grandes dimensiones, retablos de iglesias, en los que prevalece la temática religiosa primero; y luego una serie de retratos a los cuales les imprimió un sello propio: figuras extremadamente alargadas con iluminación propia, contrastantes, famélicas, fantasmagóricas, muy expresivas y en ambientes indeterminados.

A los 22 años ya era considerado un maestro en su isla natal de Creta, donde dio sus primeros pasos como artistas bajo el estilo postbizantino –de esta época es su obra Muerte de la Virgen-. Luego llegaron los influjos de la escuela veneciana que perfecciona en Roma- La curación del ciego (1567) en donde se aprecia la influencia de Tintoretto y Tizziano-: el dibujo, color naturalista y el tratamiento de la luz. De Roma son Retrato de Giulio Clovio (1570-1575, Nápoles), Vincentio Anastagi (h. 1575, Nueva York, Colección Frick), El soplón (h. 1570, Nápoles, Museo de Capodimonte) y la Anunciación (h. 1575, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza). Visita después Toledo, en España, donde pinta Asunción –en la que se advierte aún el influjo italiano-, Alegoría de la Liga Santa (también conocido como la Adoración del nombre de Jesús o Sueño de Felipe II) y El martirio de San Mauricio y la legión tebana (1578-1582). De esta etapa es su obra más conocida El entierro del conde de Orgaz (1586–1588) en la que denota su miedo al vacío, la densidad de personajes, propios del manierismo. De sus pinturas de santos –a partir de 1850-, son: San Juan Evangelista y San Francisco (h. 1590-1595, Madrid), Las lágrimas de San Pedro, La Sagrada familia (1595, Toledo, Hospital Tavera), San Andrés y San Francisco (1595, Madrid) y San Jerónimo (principios del siglo XVII, Madrid); y los retratos El caballero de la mano en el pecho (1585, Madrid).

Apoyó la Contrarreforma; tuvo un hijo –Jorge Manuel-, que trabajó junto a él; murió humilde a los 73 años de edad. Su arte fue una síntesis entre los estilos venecianos y romanos, entre el naturalismo y la abstracción, cada personaje tiene luz propia proveniente de una fuente imperceptible. Alcanzó en su pintura un alto nivel de dramatismo y antinaturalismo al final de su vida, evidente en Adoración de los pastores (1612-1614) una de sus últimas obras realizada para su capilla funeraria.

Joan Miró

2011-07-29T05:55:00.000-07:00

Iconoclasta ante los métodos convencionales de la pintura de su tiempo, Joan Miró i Ferrá (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983) fue un pintor, escultor, ceramista, grabador y uno de los mayores exponentes del surrealismo. Influido por cubistas, fauyes y expresionistas en sus inicios, en su obra se denota un gusto hacia lo infantil, lo onírico y también refleja a su país natal.

Su primera exposición individual fue en Galerías Dalmau de Barcelona, en 1918. En ella se acerca a Van Gogh y Cézanne en Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917). Se destacan las piezas Nord-Surd por la inclusión de rótulos en la composición y Retrato de V. Nubiola por la fusión del cubismo con el color fauve. En esta etapa su pintura se caracteriza por un nuevo vocabulario de iconografías y signos que determinan la figura.

En La masía (concebida entre 1921 y 1922) se refleja la relación del pintor con la tierra, el realismo de su pintura que va al máximo de los detalles. Se vincula al dadaísmo, con Bretton, lo que consolida su tránsito al surrealismo. Carnaval de arlequín marca el inicio en él, y tuvo grandes reconocimientos en una exposición junto a Picasso, Giorgio de Chirico, entre otros. De esta etapa son Tierra labrada y Cabeza de fumador. Hasta finales de esta década en que se aleja del grupo, no así del estilo.

Incursionó con sus obras en el teatro, en la ilustración como su colección de postales Interiores holandeses. Se dedica intensamente al collage – crea la serie 18 pinturas según un collage- pero de una forma propia, diferente a los cubistas; esto le abre las puertas a la escultura para fundición de cobre: El reloj del viento, Pájaro lunar, Miss Chicago, Personaje y pájaro, entre otras.

Sus personajes se debaten entre los signos y las figuras: en Hombre y mujer frente a un montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936) afloran los sentimientos del autor por la Guerra Civil y la ulterior Segunda Guerra Mundial. Entonces pinta el cartel ¡Ayudad a España! para un sello postal. Miró retorna a reproducir en su pintura la realidad, ejemplo de ello Bodegón del zapato viejo a partir de la obra Zapatos del labriego de su ídolo Vincent Van Gogh. Participa en la Exposición Internacional de París de 1937 con El Segador, allí Picasso presenta El Guernica.

Atraído por el cielo pinta su serie Constelaciones. Incursiona en la cerámica – Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París- y en el grabado. Crea su propia fundación en 1975: el centro cultural y artístico Fundación Joan Miró, para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo.

Ignacio Zuloaga

2011-07-26T12:04:00.000-07:00

Fiel cronista de su época, a través de la crudeza del dramatismo de su pintura, Ignacio Zuloaga i Zabaleta (País Vasco 1870- Madrid 1945) fué uno de los pintores españoles más importantes de finales del siglo XIX y principios del XX. Hijo del damasquinador Plácido Zuloaga y sobrino del notable ceramista Daniel Zuloaga, fue al interior de su familia que dio sus primeros pasos en el dibujo y el grabado.

Desde muy joven, con 17 años, visita los museos y se interesa por la obra de Velásquez, El Greco, Zurbarán y Goya, a quienes considera sus maestros. Viaja a Roma, se codea con los maestros del Renacimiento y pinta El forjador herido; con ella participa junto a Toulouse-Lautrec, Degas, Gauguin y Van Gogh, en el Salón de los Artistas Franceses, en París, obteniendo gran fama.

En su obra Corrida de toros en Éibar (1899) se evidencia su afición por el deporte taurino y leitmotiv de gran parte de su obra: serie Vísperas de la corrida (Andalucía, 1898); Toreros de pueblo (París, 1906); Ídolos futuros o Torerillos de Turégano (Fuendetodos, 1913); Bailarina vestida de torero (1914), entre otros. También se dedica al estudio del paisaje, especialmente de los parisinos.

Expone su obra y participa en importantes salones de arte –donde es reconocido con premios- tanto en España como en Francia, Roma, Bruselas, Berlín, Dresde, Budapest, Praga, Venecia, Nueva York, Boston, México, Santiago de Chile, Buenos Aires y La Habana, donde es recibido con gran euforia y compra en 1925 el Castillo de Pedraza; Salón de los Independientes, el Nacional de Bellas Artes de París -en varias ocasiones-, Quinta Exposición Internacional de Barcelona, Exposición Internacional de Roma, entre otros.

Colabora con la Ópera de Berlín pintando la escenografía para la obra Carmen en 1901, las revistas Le París Ilustré y L'Art et les Artistes le dedican un número completo; en Madrid le realizan un homenaje. Su obra es adquirida por importantes coleccionistas internacionales y colecciones privadas del gobierno italiano, francés y belga.

Entre sus obras más reconocidas se encuentran Un sacerdote rezando en una habitación antigua y El ciego de Arrate, sus primeras obras conocidas, Amigos, Mi tío y mis primas, El alcalde de Riomoros, Las brujas de San Millán, El enano Gregorio el botero, El cardenal, La Morenita con Chal Blanco, La italiana, entre otras tantas. Inaugura un monumento a Goya, vende sus cuadros en apoyo a los huérfanos de la Primera Guerra Mundial, y realiza retratos de importantes personajes de la vida social y política internacional.

Francisco Ricci

2011-07-25T16:51:00.000-07:00

Desde sus primeras obras, el pintor Francisco Ricci (Madrid, 1614 – El Escorial, 1685) o Rizi, se aprecia un fuerte sentido del dinamismo y la expresividad gestual propios de la llamada escuela madrileña de pintura. Rizi fue uno de sus mejores exponentes y mentor de grandes artistas como Claudio Coello, José Antolinez y Juan Antonio Frías.

Autor de una fecunda obra y de una imaginación pródiga, cuentan que nunca rectificaba un trabajo suyo. La pintura le venía por la sangre, pues su padre, Antonio Ricci, fue un artista italiano que emigró a España para trabajar en el monasterio El Escorial. En lo que más se ocupó durante su vida fue en las grandes pinturas de altar para instituciones religiosas.

Con 25 años trabajó junto a su maestro, el pintor Vicente Carducho, para la Corte en lo que se denominaría De las comedias, del Real Alcázar de Madrid.

Entre sus principales obras están San Andrés, del Museo Nacional del Prado, en el que se advierte una influencia de su maestro Carducho en el sentido del orden, conjugado con el nuevo sentido del movimiento y la vibración del color. Con este mismo estilo pinta el gran cuadro de altar Virgen en gloria con San Felipe y San Francisco –para los Capuchinos de El Pardo-; el Expolio de Cristo, conservado hoy en la Catedral de Almudena, un encargo de los Capuchinos de la Paciencia de Madrid, es una de sus obras más ambiciosas y monumentales.

Por su prestigio es nombrado pintor oficial de la Catedral de Toledo, en 1653, en la que decora el relicario junto a Juan Carreño de Miranda. Anteriormente, en 1649, había colaborado en las tramoyas para las obras teatrales del Buen Retiro, llegando a ser su director. Su entrada a la corte, como pintor del rey se produjo en 1655.

Bajo la supervisión de Velásquez, en 1659, trabajó en el Salón de los Espejos del Alcázar; allí recibió influencias de los fresquistas italianos Agostino Mitelli y Angelo Michelle –en sus pinturas abundan roleos, guirnaldas decorativas y paños sostenidos por angelotes, las arquitecturas fingidas-, que muestra en su decoración de la cúpula y pechinas de la iglesia del convento de San Plácido de Madrid; las bóvedas del camarín de la Virgen de Atocha; de la iglesia de Santo Tomás y la cúpula oval de la iglesia San Antonio de los Alemanes.

A la par trabaja en los retablos, en los que denota una fuerte influencia de Rubens, Veronés y Tintoretto: Martirio de San Pedro (1655), Santiago a caballo, Prisión de San Pedro. Auto de Fe (1683), fue un encargo del Consejo de la Inquisición, está considerado un lienzo de gran valor histórico y documental. Su última obra fue San Francisco de Borja, para la Casa Profesa de Madrid.

Bartolome Esteban Murillo

2011-07-25T16:40:00.000-07:00

En la pintura barroca española, uno de sus mayores exponentes fue Bartolomé Esteban Murillo un pintor español del siglo XVII (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 – Cádiz, 3 de abril de 1682), quien obtuvo fama por sus cuadros de vírgenes con niño e inmaculadas.

Juan del Castillo, artista respetado de Sevilla, fue su mentor en el taller que este artista tenía, y en el cual Murillo resaltó entre sus discípulos. De su madre María Pérez Murillo –queda huérfano con solo 10 años- tomó el apellido para firmar sus obras. Siendo un adolescente de 14 años, ya pintaba algunos cuadros o hacía bocetos para las comunidades religiosas.

Decidido, a los 22 años establece un taller de pintura barata que le permite vender en ferias, demuestra un dominio de la pintura flamenca y gana buen dinero –Sevilla era una importante urbe comercial-, pero el artista aspiraba a mucho más.

Signado por la desgracia, cuatro de sus hijos murieron en manos de la epidemia de la peste que azotó a España. A partir de unos encargos para la Catedral de Sevilla, es que comienza a especializarse en los temas religiosos, y se destaca como creador de tipos femeninos e infantiles.

Funda en Madrid junto a Herrera del Pozo la Academia de Pintura -entre 1658 y 160-, el espacio propicio para compartir con pintores como Velásquez, Zurbarán y Alonso Cano. Época en la que recibió importantes encargos para el Monasterio de San Agustín, la Iglesia del Convento de Capuchinos de Sevilla y el Hospital de la Caridad.

Entre sus obras más importantes están: La muchacha con flores, la serie Parábolas del hijo pródigo, a la cual pertenece Desposorios de Santa Catalina, la cual no pudo concluir porque murió tras un accidente durante su ejecución. Sus restos descansan en algún lugar, debajo de la Plaza de Santa Cruz.

Fue un hombre muy querido y respetado por todos, fe de ello se recoge en poemas que hicieron oda tanto a su obra como a su persona. Calles, plazas y jardines llevan su nombre en Sevilla, un museo-monumento y hasta una estatua en bronce del artista se erige majestuosa en la Plaza del Museo de Bellas Artes de la ciudad.

Su pintura se identificó por un gran realismo, pues abordaba temáticas sociales y de estética naturalista, costumbrista, como las escenas de los niños mendigos o la infancia de Cristo. También se caracterizó por una obra de gusto burgués y aristocrático.

Su obra cobró gran fama en los siglos XVIII y XIX, de ahí que sus obras están dispersas por todo el mundo. Arrasado por el impresionismo y la fuerza de la obra de Velásquez, su arte recobra valor a partir de la década del 80 del siglo XX.

Rafael Sanzio

2011-07-13T10:41:00.000-07:00

Rafael Sanzio, más conocido por Rafael, (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 1520) pertenece a los grandes maestros del Alto Renacimiento junto a Miguel Ángel – su principal rival- y Leonardo Da Vinci. Rafael es quien cierra el ciclo del arte clásico, con su muerte, dando paso al manierismo y luego al barroco.

Pintor y arquitecto de la Basílica de San Pedro, fue además inspector de antigüedades y un profundo estudioso de la conservación de las reliquias grecorromanas. Su obra se caracteriza por la perfección del trazo y la gracia, descollando en la pintura y el dibujo artístico –el más fino en la historia del arte occidental-.

La escuela de Atenas, una de las obras cumbres en la decoración de las Estancias Vaticanas, la realizó por encargo a sus 25 años de edad. Estancias de Rafael fue la principal, pero quedó trunca por su muerte a los 37 años; no obstante tuvo una obra prolífera atesorada en los Museos Vaticanos; y dirigió un taller de grabado junto a varios colaboradores, ejerciendo gran influencia en Roma.

Algunos consideran la primera obra documentada de Rafael a Retablo Baronci para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino, otros La resurrección de Cristo concebida entre 1499 y 1501. Trabajó en otras iglesias: pintó Crucifixión Mond y Los desposorios de La Virgen de la Pinacoteca di Briera., entre otras tantas: La anunciación, La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503. También hizo pinturas de caballete como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel.

Llevó una vida de nómada; respetó su estilo aunque asumió la influencia del arte florentino, especialmente de Leonardo da Vinci: hizo bocetos de hombres desnudos luchando, dibujó el retrato de una mujer con la composición piramidal en tres cuartos de la Mona Lisa, la postura en contrapostto de Santa Catalina de Alejandría la tomó de Leda y el cisne de Da Vinci.

De sus estancias vaticanas, Stanza della Segnatura tuvo gran importancia para el arte romano y fue su obra más considerada. En ella contiene La Escuela de Atenas, El Parnaso y La disputa del Sacramento, en los cuales es evidente el influjo de los frescos de la Capilla Sixtina de su contrario Miguel Ángel, quien lo acusó de plagio. De esta etapa son sus retratos de los papas Julio II y León X, al gobernante Francisco I de Francia; y la serie Cartones de Rafael: representaciones de San Pedro y San Pablo hechas para la Capilla Sixtina. Pintó retablos importantes como el Éxtasis de Santa Cecilia y la Madonna Sixtina. En La Transfiguración y El Pasmo de Sicilia se advierte un estilo proto-barroco.

Fue considerado el pintor del perfecto equilibrio, universal en su talento; sus obras son joyas del arte académico.

Paolo Caliari

2011-07-12T11:02:00.000-07:00

El pintor italiano Paolo Caliari o Paolo Cagliari (Verona 1528-Venecia 1588), conocido como el Veronés en España, es el albacea más importante del manierismo veneciano. Discípulo de Tintoretto y Tiziano, de los pintores de Emilia como Parmigianino, fue uno de los gestores, junto al mismo Tiziano, del gusto por el color y lo suntuoso, actitud que se extendió hasta el siglo XVIII.

Su obra fue concebida en grandes formatos, se advierte un gusto especial por el lujo, el amplio uso de los matices suaves lo caracterizan: tratamientos tonales fríos y claros - gris, plata, azules y amarillos-. Con ello se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX. Le interesaba muchísimo la perfección en el dibujo, y en sus obras utilizaba un empaste ligero con el cual lograba transparencias.

También aborda la arquitectura clásica –columnas, arcos, escalinatas-, la elegancia de la forma, las atmósferas traslúcidas y lo decorativo en la composición, lo que lo convierte en precursor del barroco.

Su manera de representar los temas bíblicos divergía de la fidelidad histórica de la Iglesia, lo cual lo llevó, luego de varias discrepancias, al tribunal del la Inquisición en 1573, porque pintaba los temas religiosos de manera irreverente, a semejanza de las grandes fiestas venecianas, personajes grandilocuentes, reflejando la alegría de vivir.

Formado como artista en su ciudad natal, es en Venecia donde el Veronés se destaca en 1556, como una de las figuras más importantes de la escuela veneciana. Fue ayudante y alumno del pintor veronés Antonio Badile, y contrajo matrimonio con su hija Elena. Es aquí donde recibe su primer encargo: la decoración de la sacristía y los techos de la iglesia de San Sebastián con un ciclo de pinturas con perspectivas, "sotto in sù" (de abajo a arriba).

Es evidente en su obra la influencia de Miguel Ángel, tras estudiar en un viaje a Roma La Capilla Sixtina, en obras como: los frescos de la Villa Bárbaro.

Autor de una vasta obra, entre sus creaciones se destacan: Cristo entre los doctores; Las bodas de Caná; Martes y Venus unidos por el amor; Venus y Adonis; Camino del Calvario; La anunciación; Alegoría de la Virtud y el Vicio; además de los lienzos gigantes del Palacio de Ducal de Venecia. Influyó en pintores como Rubens y Tiépolo.

Antoon van Dyck

2009-10-15T17:42:00.001-07:00

Anton Van Dyck nació en Bélgica, un 22 de marzo de 1599, en el año 1609 fue enviado al taller de uno de los mas notables pintores de la ciudad, Hendrick van Balen, decano de la Sint-Lucasgilde, con el propósito de aprender el oficio de la pintura y adquirir experiencia.

Su primera obra de esta etapa es el Retrato de un hombre de 70 años, de 1613, en donde son evidentes las enseñanzas de van Balen. Con apenas 16 años abrió su taller personal junto al joven amigo Jan Brueghel con quien abandonó la escuela del maestro. Durante estos años Anton recibió el encargo de realizar una serie de pinturas que representaran los 12 apóstoles, también de este período es el autorretrato de 1613-14.

Desde 1617 y hasta 1620, van Dyck trabajó estrechamente con Rubens, llegando a ser su alumno y abandonando su taller autónomo. Después de meses de colaboración entre los dos Rubens habla de van Dyck como de su mejor alumno. El 11 de febrero de 1618, fue admitido en la «Gilda de San Lucas» como «maestro», van Dyck trabajó con Rubens en la ejecución de obras como «Decio Mure despide a los lictores» o «Aquiles entre las hijas de Licómedes». En el taller de Rubens, siendo ya un pintor conocido en toda Europa, Anton van Dyck dio a conocer su nombre en los ambientes de la burguesía se influenció con la cultura clásica y la etiqueta propia de la corte. Anton aprendió a reproducir a la perfección los modelos del maestro, adoptando muchas de sus características, como es fácil de constatar en la obra El emperador Teodosio y san Ambrosio. Ya para el año 1620, Rubens había firmado un contrato con los jesuitas de Anversa para la decoración de su iglesia, basada en los diseños del mismo pero llevada a cabo por van Dyck; además de este importante encargo, Anton recibió también varias peticiones de privados para la realización de retratos. En estos años podemos apreciar pinturas como el Retrato de Cornelius van der Geest o Maria van der Wouwer-Clarisse.

En 1621 decidió partir a Italia, tradicional viaje de los pintores flamencos, donde permaneció durante seis años, estudiando y analizando los trabajos de los grandes artistas del siglo XV y del XVI y se afirmó su fama de retratista.

El 3 de octubre de 1621 se marcha de su ciudad natal a Génova. Llegó el 20 de noviembre de ese mismo año y se hospedó en la casa de los pintores y coleccionistas de arte flamenco, Lucas y Cornelis de Wael. A su llegada a Génova, Anton ya había realizado alrededor de 300 pinturas, a diferencia de Rubens o de Nicolas Poussin, que a su llegada a Italia no habían tenido la oportunidad todavía de realizar tantas obras.

Después de una intensa vida artística y con una salud quebrantada, tuvo que volver precipitadamente a Londres. El rey le envió a su médico personal, ofreciéndole 300 esterlinas si lograba salvarle la vida a su pintor. Varios días después Anton escribió un testamento a favor de la hija, de la esposa, de las hermanas y de una hija natural que había tenido en Anversa. Un 9 de diciembre Anton van Dyck murió en su casa de Blackfriars y fue sepultado en la presencia de la corte en la Catedral de San Pablo. Con su método de pintura de una elegancia relajada, influenció a los retratistas ingleses, como Peter Lely. Además de retratos, por los cuales fue bastante apreciado, se dedicó también a los temas bíblicos y mitológicos, introduciendo varias innovaciones en la pintura.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

2009-09-25T07:08:00.001-07:00

El prendimiento de Cristo

Michelangelo Merisi da Caravaggio nace en Italia, en 1571, su padre se desempeñaba como administrador, arquitecto y decorador del Marqués de Caravaggio, y su madre pertenecía a una familia opulenta de la misma ciudad. En 1584 Caravaggio comienza a trabajar como aprendiz del pintor Lombardo Simone Peterzano, al terminar su período de aprendizaje visita Venecia dónde tiene la oportunidad de conocer la obra de Giorgione y de Tiziano, también en Milán conoce la obra de Leonardo da Vinci, “La ultima cena” una de las obras más emblemáticas de Leonardo.

Posteriormente Caravaggio trabaja en Roma en dónde tuvo la oportunidad de abrir su propio taller y sobresalir en el ambiente artístico debido a la notoriedad de su obra como por sus peleas producto de su temperamento violento e impulsivo. Caravaggio es considerado un revolucionario en la pintura debido a su férrea oposición al renacimiento y al manierismo, su obra era caracterizada por fuertes contrastes y claroscuros, dotada de una intensidad que no pasaba desapercibida para los espectadores, su obra trataban con frecuencia temáticas religiosas, también utilizó a mendigos y prostitutas como modelos para sus cuadros, como se puede apreciar en su obra “La muerte de la virgen”, dónde la cara de la virgen María es la de una prostituta que había muerto ahogada en un río, también en su obra existía cierta obsesión por cabezas decapitadas, escenas que fueron representadas en varias de sus obras como “La degollación de San Juan Bautista”, o en “David con la cabeza de Goliat”.

En la década de 1590 su obra se caracteriza por la figura humana combinada con escenas de naturaleza muerta y bodegones, la obra “El tocador de laúd” es una de las más representativas de esta etapa, en todas estas obras se puede apreciar el empleo del claroscuro dando lugar a juegos de luces y sombras para lograr efectos de volúmenes y de profundidad. Una de sus obras maestras es “La cena de Emaús” la cual se caracteriza por intensos tonos oscuros, sombras muy intensas y golpes de luz que impactan en determinadas zonas, dando un inicio a una etapa de más madurez para el pintor, una de sus obras mas conocidas de esta etapa es “La negación de San Pedro”.

En 1606 Caravaggio mató a un hombre en una riña y tuvo que huir de Roma, donde no pudo volver jamás, murió tiempo después en 1610 en una playa solitaria enfermo de malaria.

Caravaggio fué un pintor muy famoso y apreciado en su época y ejerció una gran influencia sobre los artistas de su período, aunque su notoriedad fue opacada en siglos posteriores por pintores de su época como Rubens o Rembrandt, solo hasta el siglo XX su nombre volvió a cobrar importancia al hacerse un nuevo estudio sobre el arte barroco italiano.

Joaquín Sorolla

2009-09-08T18:19:00.001-07:00

Nacido en Valencia en 1860 fue uno de los pintores impresionistas españoles mas prolíficos, hijo de Joaquín Sorolla y Concepción Bastida, en 1865 quedó huérfano y fue acogido por sus tíos maternos los que tiempo después intentaron infructuosamente enseñarle el oficio de cerrajero.

En 1874 comienza sus estudios en la Escuela Normal Superior y también se matricula en las Escuelas de Artesanos en Valencia, dónde recibió como premio una caja de pinturas y un diploma por su desempeño y aplicación en el dibujo, en 1879 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos en donde estudió junto a otros pintores como Manuel Matoses, en 1880 obtuvo una medalla de plata por su obra “ Moro acechando la ocasión de su venganza” en la exposición de la sociedad “ El iris”, también en 1883 recibe la medalla de oro en la exposición regional de Valencia, con la obra “Monja de oración”, y en 1884 gana la plaza de pensionado en Roma convocada por la diputación de Valencia y poco tiempo después viaja a Roma para continuar su incipiente carrera artística.

En 1885 viaja a Paris donde es influenciado fuertemente por la pintura impresionista , que lo llevo a realizar algunos cambios en cuanto a temática y su estilo, realizando por esa época su obra “ El entierro de Cristo”, cuadro que no tuvo el éxito esperado.

En 1894 regresa nuevamente a Paris donde desarrolló el Luminismo, comienza a pintar al aire libre ejerciendo un gran dominio sobre la luz y mezclándolas con escenas cotidianas y paisajes del mediterráneo, donde se destacan obras como “La vuelta de la pesca” y “La playa de Valencia”, con la obra “Triste herencia” recibe en 1900 el Gran Prix en el certamen internacional de Paris. En 1906 expone en la galería Georges Petit de Paris con un gran éxito, en 1909 expone en Nueva York, dónde consiguió un éxito sin precedentes con obras como “El sol de tarde” o “Los nadadores”, también expuso en el Museo de Arte de San Luis y en el Art Institute de Chicago, en ese mismo año realiza 14 murales para la sala de la Hispanic Society of America.

Durante 1912 estuvo viajando casi todo el año para realizar bocetos de paisajes y escenas costumbristas que posteriormente fueron llevados al óleo y que se destacan algunos pintados en 1916 dedicados a niños y mujeres en las playas de Valencia donde se manifiestan la soltura de su pincelada y la luz intensa de su tierra. El 10 de agosto de 1923 muere en su casa de Cercedilla, su hija María Sorolla García también se dedicó a la pintura.

Jan Havicksz Steen, Pintor Holandés

2009-08-11T23:35:00.001-07:00

Jan Havickszoon Steen pintor holandés nacido en Leiden en 1626 en el seno de una familia de buena posición económica estudió en la escuela de latín en Leiden, su formación como pintor fue con el maestro Nicolaes Knupfer un pintor alemán dedicado a representar escenas históricas en Utrecht, la influencia que ejerció el maestro Knupfer sobre Steen es notable si analizamos posteriormente su obra en cuanto a composición y colorido, otras de sus influencias fue Adriaen van Ostade pintor dedicado a representar escenas rurales en Haarlem.

En 1648 forma parte del gremio de pintores de Leiden, pero después de convertirse en ayudante del pintor Jan van Goyen un paisajista, se fue a vivir a la Haya, en 1970 después de la muerte de su esposa y de su padre, Steen se traslada nuevamente a Leiden donde estuvo el resto de su vida, en 1674 se convirtió en presidente del gremio de San Lucas.

Su obra se caracterizaba fundamentalmente por representar escenas de la vida cotidiana, pintó a miembros de su propia familia en contadas ocasiones y también se pintó en varios autorretratos, como en uno de sus autorretratos mas destacados “ Autorretrato con Laúd”, en 1679 muere y fue sepultado en el panteón de su familia.

Francisco de Goya

2009-08-03T11:55:00.000-07:00

La maja vestida

La maja desnuda

Francisco de Goya nace un 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos , en una familia de clase media, su padre fue un maestro decorador y artesano el cual ejerció una fuerte influencia en la formación artística de Francisco. En 1759 ingresa en la Academia de dibujo de Zaragoza la cual era dirigida por José Luzán donde permaneció hasta 1763. Goya incursionó en la pintura de caballete, pintó murales y también realizó grabados y dibujos, en todas estas vertientes desarrolló un estilo que inaugura el romanticismo. En 1793 es afectado por una grave enfermedad, hecho que lo conduce hacia una pintura mas creativa, que representa temáticas diferentes a las obras anteriores que había realizado para la decoración de los palacios reales, su obra también se caracteriza en este período por representar la Guerra de independencia, en donde la serie de estampas de los desastres de la guerra se convierte en un testimonio sobre los crímenes cometidos en esa contienda donde las víctimas representadas son de cualquier clase y condición social. Una de sus obras con mas notoriedad es sin duda “La Maja desnuda”, posiblemente por la polémica desatada en torno a la identidad de la mujer representada en dicha obra, aunque su obra mas importante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco que decoró su casa de campo, las pinturas negras, en donde Goya se anticipa a la pintura contemporánea y los diversos movimientos de la vanguardia que se destacarían en el siglo XX. Un 15 de abril de 1828 muere en Burdeos con estado de salud bastante deteriorado.

Los comedores de patatas, Vincent Van Gogh

2009-07-25T23:36:00.000-07:00

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

2009-07-17T15:42:00.000-07:00

Obra : La ronda de noche, 1642

Obra : La lección de anatomía del Doctor Tulp, 1632

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació un 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda, creció en el seno de una familia acomodada, hijo de un molinero y su madre era hija de un banquero, su educación básica la realizó en latín y posteriormente fue admitido en la universidad de Leiden. Desde muy temprana edad mostraba una gran habilidad hacia la pintura, lo que motivó que abandonara la universidad para estudiar pintura en el taller del pintor Jacob van Swanenburch con el que estudiaría por 3 años. Tiempo después se traslada a Ámsterdam para complementar su formación con el pintor Pieter Lastman, con el que permanece por 6 meses.

En 1624 regresa a Leiden dónde abre su propio taller, el cual compartió con el pintor Jan Lievens, y ya para 1627 estaba impartiendo clases de pintura a numerosos alumnos, entre ellos Guerrit Dou. En 1631 Rembrandt se muda nuevamente a Ámsterdam, donde comenzó a trabajar como retratista con un gran éxito, durante ese período estuvo alojado en la casa del marchante Hendrik van Uylenburg y en 1634 contrajo matrimonio con Saskia van Uylenburchla.

En su estancia en Ámsterdam, Rembrandt se dedica a pintar escenas bíblicas y mitológicas con contrastes fuertes y grandes formatos, en ese período se destacan algunas obras como; "El cegamiento de Sansón", y "La fiesta de Belshazzar", que trataba de representar el estilo barroco de Paul Rubens, también realizó varios encargos de retratos en pequeño y gran formato.

A finales de esa década, Rembrandt realiza algunas pinturas y grabados de paisajes, siempre dándole un toque dramático a las obras, y poco a poco su paleta se fue tornando mas sombría, quizás debido a situaciones y tragedias personales que le habían comenzado a suceder, también las escenas bíblicas del viejo testamento que pintaba desde joven se fueron focalizando en escenas del nuevo testamento. En 1642 realizó su mayor obra “La ronda de noche”, el retrato colectivo mas grande de ese período el cual realizó con una nueva forma compositiva.

Posterior a 1650 el estilo de Rembrandt se transforma nuevamente, sus colores se tornan más intensos y regresa nuevamente a los grandes formatos alejándose de los rasgos característicos de su primera etapa, algunos le atribuyen esto a la influencia de la obra de Tiziano. Rembrandt poseía un gran conocimiento de la iconografía clásica y en sus obras solía representarla con una libertad total para identificarla con su propia experiencia, por su manera de representar la condición humana ha sido catalogado como uno de los grandes profetas de la civilización.

La tragedia, obra del período azul de Pablo Picasso

2009-07-05T18:35:00.000-07:00

Amadeo Clemente Modigliani

2009-07-03T14:22:00.000-07:00

Amedeo Clemente Modigliani nació en Italia en 1884, su familia era de origen judío, su padre Flaminio Modigliani, fue un prestamista al cual le fue mal en el negocio debido a su benevolencia y a la imposibilidad de pago de los deudores, sin embargo tuvo que acudir a otros prestamistas para terminar endeudado y estos si fueron inflexibles con el, su esposa se encontraba embarazada cuando se presentaron los representantes de la justicia en su casa, y gracias a una ley italiana pudo salvar algunas joyas y objetos de valor que se encontraban en la cama de la embarazada, los cuales habían sido colocados por Amadeo y Eugenia para poder posteriormente comenzar una nueva vida en un sitio mas modesto.

A sus 14 años Modigliani comienza a tomar sus primeras clases de pintura con Guglielmo Micheli, y poco tiempo después su salud se ve afectada con un ataque de fiebre tifoidea y posteriormente se contagia de tuberculosis, en 1902 ingresa en la escuela libre del desnudo en Florencia y al otro año en el Instituto de las Artes de Venecia.

En 1906 se trasladó a Paris, hasta ese momento su pintura se caracterizaba por manchas, siendo influenciado tiempo después por Tolouse-Latrec, Pablo Picasso, y mas adelante por Paúl Cézanne, logra llamar la atención por la rapidez con que pintaba, pues nunca retocaba sus cuadros.

En 1909 pasa un corto tiempo en Livorno, con una salud deteriorada producto de su forma de vida, se regresa a Paris y se instala en un estudio en Montparnasse. Modigliani emanaba una fuerte atracción hacia las mujeres, en ese período vive varios romances hasta que conoce a Beatrice Hastings, mujer con la que mantendrá una relación por un par de años, sirviéndole también de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour".

En diciembre de 1917 inaugura su primera exposición, la cual es interrumpida horas después por las autoridades por considerarla indecente, en 1919 regresa a Paris, en ese momento su estado de salud continúa deteriorándose debido a su estilo de vida y sus vicios, luego de una noche de excesos y una pelea con unos delincuentes en la calle es encontrado delirando en su cama mientras sostenía la mano de se esposa embarazada de nueve meses. Un 24 de enero de 1920 muere producto de una meningitis tuberculosa.

La obra de Modigliani solo se limitó a la figura humana, destacando siempre una individualidad exacta, mostrando una expresión nostálgica, no encontró un estilo definitivo hasta 1915, fue a partir de ese año que pinto cientos de obras de gran carácter. Sus modelos fueron muy diversos; hombres, mujeres, niños; unos, del ámbito de las artes y de las letras; otros, del pueblo, cuya indigencia y simplicidad supo captar el artista. Modigliani también pintó desnudos, casi siempre acostados e interrumpidos a media pierna, y cuyas formas sobresalen sobre un fondo oscuro. Sus colores francos y resplandecientes dan calidad a las líneas, de una extrema pureza; las deformaciones por alargamiento y torsión rememoran a los primitivos florentinos, Botticelli, y a los manieristas.

La dama del armiño, Leonardo da Vinci

2009-06-27T13:57:00.000-07:00

El jardín de las delicias, El bosco

2009-06-27T13:49:00.000-07:00

El concierto de Vermeer, obra del pintor holandés Jan Vermeer

2009-06-26T23:03:00.000-07:00

Johannes Vermeer van Delft fue bautizado un 31 de octubre de 1632, siendo el segundo hijo y único varón de Reynier Jansz y Digna Baltens, su padre trabajó como tejedor en Amsterdam, y posteriormente en 1615 contrajo matrimonio con Digna con la que se desplazó hacia Delft donde abrieron una fonda, Reynier también se desempeñaba como marchante de artes y esto le dio la oportunidad de conocer a pintores como Pieter Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.

Respecto a la formación como pintor de Johannes Vermeer no existe información muy precisa, pasó a ser parte del gremio de San Lucas en 1653 como pintor, después de 6 años de aprendizaje que le otorgaron el título de maestro pues este era un requisito para pertenecer al gremio, ese mismo año el pintor se casa con Catharina Bolnes , hija de una señora de la aristocracia y de muy alto nivel económico. En cuanto a su formación se dice que fue alumno del pintor Leonaert Bramer, también se habla de su contacto con Carel Fabritius, y se menciona a Pieter de Hooch quien fuera una de las principales influencias de Vermeer.

Vermeer aún en vida pudo ver el aumento del valor de sus obras, aunque pintó pocos cuadros para el mercado del arte, ya que también se desempeñaba como experto en artes. En los últimos años de su vida, su situación económica empeoró, hecho que lo obligó a solicitar créditos. Debido a la guerra Franco-Holandesa le fue imposible seguir comercializando sus obras, en 1675 Vermeer enferma y muere a los pocos días, su esposa tuvo que renunciar a su herencia la que pasó a manos de los acreedores.

Vermeer fue sin dudas uno de los más importantes pintores representantes del barroco. La sencillez, la iluminación y la belleza de sus obras lo llevaron a la cumbre de los pintores de la historia universal.

Camille Pissarro

2009-06-19T11:49:00.000-07:00

Camille Pissarro nació en Santo Tomas (Francia), un 10 de julio de 1830, al concluir una parte de sus estudios en Francia en 1847 regresa a Santo Tomas para trabajar y ayudar como empleado en la oficina de comercio de su padre, donde aprovechaba en sus momentos libres para dibujar, en 1852 viaja a Venezuela como ayudante del pintor danéz Fritz Melbyl donde se entregó completamente a la pintura pintando numerosos paisajes y escenas costumbristas.

En 1855 su familia se traslada a Paris y el también se reúne con ella, donde tuvo la oportunidad de asistir a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse, también estudio con el pintor paisajista francés Camille Corot y por el año 1866 desarrollo una amistad con varios de los futuros pintores como Manet, Monet, Rendir, Sisley, Guillaumin, todos ellos estudiantes influidos por Courbet y quienes serían los mas importantes exponentes del impresionismo.

En el período de 1868–1871 Pizarro vivió en Louveciennes , que se encontraba en la línea de la ofensiva prusiana hacia Paris, y debido a que los alemanes había ocupado su casa, fueron destruidas todas sus pinturas.

Durante la guerra Franco-Prusiana, Pissarro reside nuevamente en Inglaterra, donde tuvo la oportunidad de estudiar el arte inglés y especialmente las obras del pintor paisajista William Turner, ya por los años 80 incursionó en el puntillismo, realizando obras de escenas callejeras de Paris, y paisajes rurales, por varios años el Salón se negó a exponer sus pinturas, por lo que Pissarro junto a otros impresionistas decidieron exponerlas en otro local por su cuenta.

La obra de Pissarro abarca todos los géneros, se encuentra expuesta en el Museo de Orsay de Paris y en la mayoría de los museos de arte moderno del mundo, varias de sus obras están en las mas importantes colecciones de pintura impresionista y en la colección Durand – Ruel de Paris.

Eugéne Delacroix

2009-06-10T09:38:00.000-07:00

Eugène Delacroix nació en Francia en 1798, Su padre fue político y su madre venía de una familia de artesanos, ebanistas y dibujantes. Su tío fue el pintor Henri-Francois Riesener quien le recomienda que entre en el taller de Pierre Narcisse Guérin, en ese período visitaba con frecuencia el Louvre, donde hacía estudios y copiaba la obra de los maestros que admiraba como Paúl Rubens, Diego Velázquez, Rembrandt y Paolo Veronese.

En 1822 expone su obra “Dante y Virgilio en los infiernos”, en dicha obra se apreciaba una gran composición y un excelente manejo de los colores, dos años después pinta la obra “Las Matanzas de Quíos”, realizada con un colorido mas intenso, en ambas obras se puede sentir la influencia del romanticismo y el clasicismo.

En 1825 viaja a Inglaterra donde permanece por 3 meses haciendo un estudio sobre los pintores ingleses, especialmente a John Constable que fue el mas relevante paisajista europeo de esa época, haciendo un estudio sobre la técnica, el uso de los colores y su efecto psicológico sobre las personas, su obra “ La muerte de Sardanápalo” expuesta en el Salón de Paris causa gran controversia en el público.

Por el año 1832 viaja por África, visitando Marruecos y Argelia donde puede descubrir la intensa luz y el colorido de sus paisajes, también le llaman la atención la naturaleza y los animales de África del norte los cuales motivan al artista para hacer un estudio de la anatomía de diferentes animales. En Marruecos le solicitan encargos oficiales para decorar y pintar varios edificios públicos. Su obra mas popular fue “La libertad guiando al pueblo”, conocido también como “La Barricada”.

En 1851 fue admitido en la Academia de Bellas Artes, su obra sirvió de inspiración para muchos pintores como Vincent Van Gogh, en 1859 Delacroix expone por ultima vez en el Salón debido a su incapacidad para trabajar de una manera continua, su salud comienza a deteriorarse por una laringitis que lo obliga a retirarse y guardar reposo fuera de Paris, a pesar de que su estado de salud continua empeorando el pintor no deja de pintar, la muerte lo sorprende un 13 de agosto de 1863.

Paul Gauguin

2009-05-23T12:54:00.000-07:00

Paul Gauguin nació en Paris un 7 de junio de 1848, siendo muy pequeño su familia tuvo que huir hacia América del sur después del golpe de estado de Napoleón III en el año 1851, su padre falleció en el viaje y su madre fue acogida por unos familiares en Perú.

Ya para el año 1855 Paul regresa a Francia, y se queda en casa de un tío llamado Isidore, en 1859 comienza a estudiar hasta el año 1865. Siendo muy joven se introduce en la marina mercante y posteriormente en la armada francesa. En 1874, conoció la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintores impresionistas. Su pasión por el arte lo conduce a tomar clases de pintura y a realizar sus primeros intentos de creación en la pintura. Logra exponer sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y también reuneuna colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y de Pissarro.

En 1882, abandona su empleo en la Bolsa para entregarse completamente a su nueva pasión, la pintura. A causa de sus ingresos muy bajos , se traslada a casa de la familia de su mujer en Copenhague junto con ella y sus hijos. Las relaciones con su familia política no son positivas y los negocios tampoco van bien, por lo que decide regresar a París en 1885 para dedicarse solamente a la pintura, siendo incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.

Posteriormente Gauguin se desplaza a Ruán, en Normandía, lugar donde se ha instalado Pissarro, en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá. Gauguin llegó a Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga. En sus estancia en Panamá fue arrestado por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles. Estuvo trabajando un tiempo en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales dañan su salud muy rapidamente. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

Este viaje por el Caribe resulta ser muy importante para su futuro artístico, ya que le mostró la sensualidad del color y le despertó interés por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, posteriormente Gauguin regresa a Europa enfermo y abatido. En Europa encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién también expone sus pinturas en su propia galería. Entre 1886 y 1891, permanece en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven, allí tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul Sérusier, Seguin y Chmaillard que representarían el llamado simbolismo. Su estilo comienza a transformarse próximo al impresionismo hasta un estilo mucho más personal.

En 1888 convive 2 meses junto con Van Gohg en Arlés al sur de Francia donde se dedicaron ambos a pintar, Gauguin ya conocía a Vincent y a Theo Van Gogh desde 1886, y había quedado muy impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajaron juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. La convivencia entre ambos artistas es muy difícil, los dos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent, Van Gogh trata de suicidarse un tiempo después.

Muy enfermo y pobre, Gauguin semarcha en 1891 hacia la Polinesia, con el dinero que pudo obtener en una exposición en el Hotel Brouot,. Se establece en Tahití, en un intento por huir de la civilización europea y de todo lo artificial y convencional. Comienza también a redactar un relato autobiográfico , a causa de una enfermedad en los ojos, la soledad y la falta de dinero le obligan a regresar a Francia junto a su compañera javanesa Ana. En Francia recibe una herencia de su tío Isidoro, y logra vender algunos cuadros, regresando de modo definitivo a Polinesia.

Tomando como referencia elementos del folclore de la isla, obsesionado por los elementos que observaba pero intentando llegar más allá de ellas, Gauguin crea y desarrolla un vocabulario personal de matices y líneas, un estilo complejo que compone un simbolismo pictórico novedoso.
Al momento de su muerte en 1903 en las lejanas islas Marquesas, pocas personas presintieron del alcance de su obra. Uno de ellos fue el poeta simbolista Charles Morice, que había colaborado en la publicación del primer manuscrito de Noa-Noa , uno de los libros de Gauguin sobre Tahití. Sus artículos motivaron a los patrocinadores del recién fundado "Salon d'Automne" a organizar en 1906 una retrospectiva del pintor. Desde las Islas Marquesas Gauguin había sentado las bases de un estilo nuevo, vigoroso y original que traspasaría su época.

Henri de Toulouse-Lautrec

2009-05-15T14:30:00.001-07:00

Henri de Toulouse-Lautrec nació un 24 de noviembre de 1864, dentro del seno de una familia aristocrática de Francia, desde muy joven sufrió fracturas en ambas piernas, y debido a una enfermedad que afectaba el desarrollo de los huesos solo pudo alcanzar la estatura de 1.52 m. Desde muy joven mostró un gran talento para el dibujo por lo que en 1882 tomó la decisión de consagrarse por completo a la pintura, comenzando su formación artística en el taller de León Bonnat y posteriormente con Fernand Cormon. En 1882 cierra el taller de Bonnat, situación que lo obligó a conseguirse un nuevo maestro, Fernand Cormon, allí tuvo la oportunidad de conocer a Vincent Van Gohg, al cual le hace un retrato. Por el año 1884,Toulouse-Lautrec se traslada a Montmartre, allí comienza a sentir gran atracción por los lugares nocturnos para diversión, convirtiéndose en cliente asiduo de el Salon de la Rue des Moulins, Moulin de la Galette, y el Moulin Rouge, todos esos lugares muy ligados a la prostitución, la cual fue un tema muy recurrente en su obra. Los propietarios de los locales le pedían que dibujara carteles para hacerle promoción a sus espectáculos, cosa que le gustó mucho a Toulouse Lautrec pues en sus bohemias noches en los cabarets dibujaba todo lo que observaba en ese entorno. Muy diferente a Vincent van Gogh, logró vender sus obras y obtuvo reconocimiento, su aceptación fue gracias a sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios más que en la pintura al óleo. Llevando una vida noctámbula y desordenada durante años y un gran consumo de alcohol terminaron por deteriorar su salud. Por lo que llegó a padecer manías, depresiones y neurosis, también parálisis en las piernas y en un costado. En 1897 tuvo que ser recogido de las calles a causa de su embriaguez y poco después en un ataque llegó a disparar contra las paredes de su casa alucinando que estaban llenas de arañas. Aun en ese estado continuaba pintando, pero es recogido nuevamente alcoholizado en 1899 e intentan internarlo en un sanatorio mental. Allí para demostrar que no esta loco realiza una colección de pinturas sobre el circo. Su adicción por el alcohol hizo que comprara un bastón el cual tenía una punta en forma de copa para poder beber sin que su madre lo viera. En septiembre de 1901 muere postrado en su cama. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a muchos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles

Pierre Auguste Renoir

2009-05-07T12:44:00.001-07:00

Pierre Auguste Renoir nace un 25 de febrero de 1841, en Limoges, Francia. En 1845 se traslada a Paris con su familia donde continuó sus estudios hasta los 13 años, a esa edad comienza a trabajar en un taller de decoración de porcelanas gracias a su gran dominio del dibujo. En 1862 entra al taller de Gleyre donde tuvo la oportunidad de conocer a Monet, Bazille y Sisley. En esa época solía visitar el museo del Louvre para copiar a otros pintores admirados por el artista, aunque sus primeras obras de estilo clasicista y realista no tuvieron buena acogida por parte de la crítica.

En 1864 Renoir expone su primera obra la cual tuvo una gran aceptación, en ese período sus obras tenían como temática el paisaje y la figura humana, en 1867 realiza la exposición de la Lise à l’ombrelle la cuál da inicio a la vida profesional del artista. En el período de 1870 y 1883 Renoir vive su etapa impresionista, donde pinta numerosos paisajes, destacándose una de sus obras mas importantes de esa época ; Déjeuner des canotiers, también en esa etapa colaboró con la ilustración de un libro de Émile Zola.

En la década de 1890 y 1900 Renoir realiza un nuevo cambio en su forma de trabajar, dando lugar a una mezcla entre estilos impresionista e ingresco, caracterizado por la soltura de las pinceladas de su etapa impresionista, una de sus primeras obras mas representativas de esta etapa es sin duda Jeunes filles au piano, obra que fue adquirida por el gobierno francés para exponerla en el museo de Luxmburgo.

Durante la etapa de 1900 y 1919, el pintor entra en su período de Cagnes. En dicho período padece una severa crisis de reumatismo. Al nacer su tercer hijo en 1901 su pintura adquiere un nuevo matiz.

El 3 de diciembre de 1919 fallece el pintor en Cagnes, 3 días después fue sepultado en Essoyes junto a su esposa. En los últimos años de su vida fue muy visitado por los jóvenes creadores, entre ellos Matisse o Modigliani, quienes veían en el anciano pintor a un fuerte estímulo para continuar con sus trabajos, a pesar de que sus estilos distaran de alguna manera.

Claude Monet

2009-05-05T07:41:00.000-07:00

El pintor Francés Claude Oscar Monet nace un 14 de noviembre de 1840, su familiares eran comerciantes. El nombre de su padre era Claude Adolphe Monet y el de su madre Louise Justine Aubrée, Monet fue el segundo hijo del matrimonio. Las grandes dificultades económicas que padecían en ese momento su familia provocaron el traslado a Le Havre, lugar donde podía trabajar en el próspero negocio de su cuñado.

Por el año 1859 había tomado la decisión de iniciar su carrera como artista y por ese motivo pasaba largas estadias en París. A partir de 1860 se le vinculó con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y también con otros pintores franceses que posteriormente formarían la escuela impresionista, Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

En el transcurso de 1861 tiene que cumplir el servicio militar en Argelia, durante un año. Su precario estado de salud sufrió de tifus a principios de 1862, razón por la cual regresó a Le Havre por un periodo de seis meses. Todo este tiempo siguió trabajando con Boudin y conoció a Jongkind. Durante el otoño de 1862 Monet regresa a París, visitando al taller de Auguste Toulmouche por idea de la familia, donde le recomendaron que fuera al estudio de Charles Gleyre donde estuvo hasta 1864. En ese lugar Monet conoció a tres compañeros con los que tuvo una solida amistad: Renoir, Sisley y Bazille, la cual fue mas intensa con Bazille. Todo ese tiempo se dedicó a la pintura al aire libre en Chailly, en el bosque de Fontainebleau. Luego de una estancia en Normandía acompañado de Bazille. Pintando en exteriores, Monet realizó paisajes y escenas que representaba a la clase media contemporánea y comienza a tener éxito en sus exposiciones.

Su estilo, al igual que el de otros impresionistas, estaba caracterizado por una intensa luz, una paleta colorista y la utilización en ocasiones de colores puros directamente sobre un lienzo preparado con una capa de blanco puro, dicha superficie aumentaba considerablemente la luminosidad de cada color e incrementaba la sensación de falta de armonía de al obra. Su éxito obtenido en el Salón de los Rechazados con su Desayuno en la hierba motivó a Monet a pintar una cuadro con un tema similar pero pintado al aire libre. Envía sus primeros trabajos al Salón oficial, pintados al aire libre, los cuales fueron recibidos con agrado por la crítica, aunque su posterior experiencia en el Salón será negativa. En 1867 presenta la obra Mujeres en el jardín que será rechazada y criticada de manera destructiva por Manet.

Monet se apoyó en su brillante paleta para captar los efectos ópticos creados por la luz natural sobre el paisaje, otorgándole poca atención a los detalles ocasionales, pintando con pinceladas muy visibles y poco definidas para captar la escena con rapidez. Una de las cualidades de Monet como pintor fue la sensibilidad con respecto a los cambios de la luz. Realizó su trabajo directamente con la naturaleza. Algunos de sus últimos murales de menúfares, realizados sobre lienzos de considerables dimensiones, son casi abstractos por sus formas flotantes y sus reflejos en la superficie.

De el grupo, Monet fue el mas impresionista de todos. En su obra se aprecia un gran esfuerzo por incorporar una nueva forma de ver el carácter de la luz, a la vez que la composición de grandes masas y superficies la utiliza solamente para establecer cierta coherencia. Su obra no solamente logra dominar el impresionismo, también se anticipa a las corrientes de vanguardia de la primera mitad del siglo XX.

Édouard Manet

2009-05-03T09:55:00.000-07:00

Édouard Manet ( pintor francés), nació un 23 de enero de 1832, fue hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, tomó la decisión de hacerse pintor después de dos intentos fallidos de ingresar en la Escuela Naval. Su carrera artística se inicia por el año 1850 en el estudio de Thomas Couture. Allí estuvo durante casi seis años, donde a su vez pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. En el período de 1853 hasta 1856, Manet se dedica a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros. Después de 6 años de aprendizaje, Manet logró establecerse en un estudio propio. En esa época entabló una relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. En 1859 se presenta por primera vez al Salón su Bebedor de ajenjo, una obra que permitía sin dificultades predecir su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, algo inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo único que persiguió fue el éxito dentro de la respetabilidad. Durante el año 1860 comenzaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, la buena acogida del crítico y escritor Téophile Gautier. A partir de 1860, su pintura de tema español, tan de moda por esa época en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861 el Salón acepta por primera vez una obra suya, el Guitarrista español. El Salón de Otoño en 1863 le rechazó un lienzo que sería muy importante para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, dicha obra fue doblemente criticado, tanto por su temática (muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea) como por la técnica empleada, lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada. En 1867, por la época de la Segunda Exposición Universal en París, Manet, muy desalentado por su mal recibimiento en el Salón oficial, decide continuar el ejemplo de Courbet unos años antes y dispuso, con su propio dinero, un pabellón donde presentó al público alrededor de 50 obras sin ningún éxito. No existe otro pintor del grupo impresionista que haya sido tan debatido como Manet. Para muchos, fue el pintor más puro que haya existido, del todo indiferente ante los objetos que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias histórico-artísticas. Muchos creen todavía que fue un pintor de pobre técnica, incapaz de lograr una coherencia espacial o compositiva. Otros piensan, por fin, que fueron precisamente estos "defectos" los que constituyeron su deliberada contribución a las drásticos y enormemente fructíferos cambios que introdujo en la estructura pictórica. Ya en el final de su vida pintó numerosos retratos de mujeres, tanto al óleo como en pastel, así como varios bodegones y jardines. Su técnica, que se volvió todavía más suelta y espontánea, abrió un nuevo camino a la pintura moderna. Como dijera Henri Matisse algunos años después de su muerte, Manet, al ser "el primer pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó el instinto del pintor"