Andreas Schulze (Alemania, 1955)

Exponente de la pintura y el arte postmoderno y contemporáneo alemán, Andreas Schulze es uno de los artistas más representativos de finales del siglo en el arte de dicho país. Considerado entre muchos críticos y compañeros como un fenómeno del arte, sus comienzos se remontan a la época del auge del Nuevo Fauvismo que hacia 1980 consiguió que renaciera en recreación visual, la pintura. 

Su prestigio e influencia continúan hasta el presente. Schulze ha desarrollado una visión muy personal de la pintura que, primero codificada y ahora descifrable, continua consecuentemente hasta hoy. Sus cuadros tienen la cualidad de parecer surrealistas. Comienzan en la realidad con temas y formas sencillas, que continúan en el espacio representado, como si estuvieran dirigidos por un sueño. Motivos como guisantes, balones, autos, se unen a espacios y casas, quedando todo concebido como el gran diseño de un local en el pequeño espacio de una sala de galería. Y es que este artista no se queda en la cualidad bidimensional del cuadro, sino que explora los alrededores a través del manejo de nociones como el diseño.

En sus últimas exposiciones, Schulze ha demostrado las relaciones entre su pintura y una mentalidad burguesa, en realidad, completamente alemana, la cual en parte se refiere a sí mismo y en parte observa a su alrededor. Ejemplo de ello ha sido la concepción de diseño de interiores que han tenido algunas de sus muestras, en las cuales ha concebido, por mencionar una, el mobiliario, las lámparas, la vajilla y los tapices, de manera que se mezclen e interactúen con sus cuadros, en la conformación de un interior completo; así como la consecución de un único motivo, como las marcas con las que ha sido decorada una sopera de porcelana, y el despliegue de estas como la decoración floral de sus cuadros.

A Schulze le interesa también el discurso sobre la sociedad alemana, la sociedad actual y el carácter efímero de los tiempos, ya sea desde la idea, hasta la visualidad. Para ello modela una ciudad a escala de ferrocarril de juguete, ilustra la ciudad alemana ideal, recrea anuncios luminosos, edificios en ruinas y restaurados del casco antiguo o anuncia la inauguración de una boutique de Prada. Sus trabajos, entre arte y realidad, anticipan los temas centrales abordados por artistas de los ochenta y de los noventa: diseño y vida diaria.
Ha expuesto su trabajo en la Galería Bárbara Gladstone de Nueva York, en el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en el Sprengel Museum de Hanover y en la Galería Monika Sprüth de Colonia. Su obra se puede encontrar en países como Alemania, España, Estados Unidos, Francia y Suiza.

Jasper Johns

(Gerogia 1930)

Considerado uno de los más importantes e influyentes renovadores del arte postmoderno, Jasper Johns fue un pintor, artista gráfico y escultor estadounidense que por su actitud y concepciones, es conocido como neodadaísta. Uno de sus principales aportes fue el cuestionamiento de los límites del arte y de la representación, pues consideró que no era la técnica lo que hacía a la obra, sino la idea y la propuesta discursiva del artista.

Durante su paso por la Parsons School of Design de Nueva York, conoció a importantes artistas del momento como Robert Rauschenberg, Merce Cunningham y John Cage, con los cuales comenzó a realizar sus primeros trabajos. Hacia 1955, casi contemporáneamente con Rauschemberg, Johns inició su etapa creadora con su famosa serie de banderas (Bandera sobre un campo naranja, 1957) y blancos de tiro o dianas (Target, 1958). Para este período también utilizó letras de imprenta y números para llenar sus lienzos a totalidad. El artista convertía al cuadro en un objeto dentro del cual no había ningún espacio que aludiera a la realidad, al que hubiese que describir. Sin embargo, tanto las banderas como las dianas eran un fragmento extraído del entorno circundante. Lo que pretendía expresar era la sublimidad de la tela como superficie pictórica y objeto al mismo tiempo.

Sus pinturas se caracterizan por la calidad de planos, la objetividad y la precisión. En un comienzo prefirió los grises, pero luego utilizó el color con gran libertad y maestría. Aplicaba capas gruesas de pigmento, de manera que el cuadro se convertía en un objeto. De ahí la denominación de muchas de sus obras como Cuadro-objeto. Sus primeros blancos de tiro estaban combinados con la aplicación de mascarillas de yeso en la parte superior. Tanto en ellos como en sus banderas, utilizó el collage de periódicos y fotografías. Luego, a la manera de Rauschemberg, alternó las pinturas puras con aquellas en que se aplicaban los más variados elementos (reglas, compases, escobas, pinceles, y pelotas, entre otros).

El empleo del objeto sin transformarlo en su obra, provino de la influencia duchampiana que este artista experimentó. Intentaba reproducir  al infinito los objetos más comunes y menos aparentemente pictóricos: banderas norteamericanas, blancos de tiros o números tipográficos, latas de cerveza, bombillos o espejuelos, sin destruir la condición que tenían en la realidad, para «enajenar el objeto sin destruir su condición de tal». Para él la pintura no representaba, sino era.

Sus series más conocidas son las de letras y números, banderas y dianas. En ellas prima la superficie pictórica como elemento sensible. A inicios de 1978 expuso en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas "Las estaciones", consideradas de gran significación para la historia del arte estadounidense. También realizó numerosas esculturas, a modo de ready-made duchampianos.

El contacto con la realidad lo estableció creando un objeto con materiales, técnicas, y requerimientos estéticos que lo sitúan en la esfera del arte. Su aporte fundamental fue el de desatar en los pintores norteamericanos una vinculación con su realidad, apartándose del arte abstracto que se venía haciendo para la fecha.

Expuso numerosas veces en ciudades como New York, Chicago, y Paris, entre otras. Actualmente su obra se puede encontrar en el Metropolitan Mueseum of Art de Nueva York, y el MOMA atesora la mayor colección de pintura de este artista.